El Arte Gótico: Características, Arquitectura y Escultura

El Arte Gótico

Pintura Gótica

Temas:

• Los donantes
• Los retratos
• Fondos de paisaje: rural y urbano
• Naturalezas muertas
• Pinturas profanas: escenas de la vida cotidiana

Técnicas:

• Temple: huevo o cola como aglutinante de los colores
• Óleo (a partir del siglo XV): aceite como aglutinante

Soportes:

• Retablos
• Trípticos
• Polípticos

Vidriera

Elemento característico del gótico, la vidriera de cristal policromado sustituye a la pintura mural del románico. Sirve como decoración mural, ambientación y proporciona luminosidad al interior. Se representan escenas religiosas o profanas. Su elaboración, similar a una pintura, consiste en ensamblar piezas de vidrio mediante emplomado.

Proceso de creación:

1. Boceto: Se traza la estructura del emplomado y las piezas de vidrio sobre una tabla blanqueada.
2. Pintura: Tras ensamblar las piezas, se pintan los rostros y la ropa con una mezcla de óxido de hierro o cobre mezclado con vinagre (grisalla).
3. Fijación: Se desmontan las piezas pintadas y se llevan al horno para fijar la grisalla.
4. Ensamblaje final: Se ensamblan las piezas con tiras de plomo formando paneles, que se colocan en armaduras o estructuras de hierro y se instalan en los ventanales con tracerías de piedra.

Libros y Miniaturas

• Códices
• Biblias
• Salterios

Arquitectura Gótica

La catedral, símbolo de orgullo y poderío, se erige como el máximo exponente de la arquitectura gótica. Su construcción, en la que participaba toda la ciudad, no solo respondía a fines religiosos, sino que también servía como escenario teatral y lugar de reunión de Cortes. Otros ejemplos de arquitectura gótica son las lonjas, palacios y castillos.

Elementos Constructivos

La arquitectura gótica se caracteriza por la evolución de las técnicas de presiones y contrarrestos. El peso del edificio se reparte en pilares y arbotantes, permitiendo la apertura de grandes ventanales con vidrieras que sustituyen los muros de carga. El vano domina sobre el muro y la luz sobre la oscuridad.

Plantas:

• De cruz latina con 3 o 5 naves
• Planta de salón (basilical): naves laterales de igual altura que la central

Los brazos del transepto pierden protagonismo, mientras que los ábsides y la girola adoptan formas poligonales. Las capillas, fruto del mecenazgo de reyes, nobles y la burguesía, se integran en el recinto como espacios exclusivos dentro del espacio religioso.

Alzado:

• Arco ojival: Formado por dos segmentos de círculo, aporta mayor esbeltez a las estructuras. Se utiliza la tracería, decoración calada en las ventanas de los arcos.
• Bóveda de crucería: Compuesta por arcos ojivales con nervios en sus aristas. El espacio entre los nervios se rellena con plementería. Los arcos formeros en los cuatro lados y los nervios transmiten el peso de la bóveda al suelo a través de pilares o columnas adosadas. A partir de la bóveda de crucería simple, surgen variantes como la sexpartita, terceletes y estrelladas.
• Pilares con columnas adosadas: Los pilares fasciculados, formados por haces de columnillas con un capitel común, absorben los empujes verticales de las bóvedas. La decoración vegetal del capitel evoluciona desde un elemento común a capiteles individuales para cada columnilla.
• Arbotantes y contrafuertes: Los arbotantes, arcos de un cuarto de circunferencia, absorben los empujes laterales de la bóveda. Se apoyan en el arranque de la bóveda y en un contrafuerte rematado por un pináculo. Este sistema permite la construcción de edificios más elevados y la sustitución de los muros por ventanales.

Interior:

• Gran desnivel entre la nave central y las laterales
• Triforio: pequeña galería ciega que recorre el edificio por encima de los arcos de separación de las naves
• Mayor altura de la nave central

Muro:

El muro pierde su función sustentante y se convierte en un elemento de cierre (muro de pantalla) que permite la apertura de grandes ventanales con vidrieras policromadas. Estas vidrieras, además de su función decorativa, sirven como vehículo de difusión de conceptos teológicos.

Exterior:

• Se aprecia la disposición interna y la búsqueda de la verticalidad
• Elementos puntiagudos como pináculos, agujas y gabletes triangulares
• Fachadas de planta rectangular rematadas con chapiteles o flechas agudas
• Triple pórtico, rosetón, galería de arcos con estatuas, puertas abocinadas con arquivoltas, tímpano, parteluz y estatuas-columnas en jambas

Vidrieras

Las vidrieras, elemento destacado de la arquitectura gótica, permiten la entrada de una luz difusa y sirven como soporte para grandes ciclos iconográficos que adoctrinan a los fieles.

Escultura Gótica

Materiales:

• Piedra (imaginería exterior)
• Madera policromada (imágenes exentas, retablos, sepulcros, sillerías)
• Mármol y alabastro (conjuntos sepulcrales y retablos)

Presencia:

• Fachadas de iglesias
• Retablos
• Sillerías de los coros
• Púlpitos
• Sepulcros
• Sarcófagos

Características:

• Estatuas-columnas en fachadas
• Independencia del marco arquitectónico
• Vuelta al naturalismo
• Uso de moldes vivos
• Rasgos individuales
• Expresividad en los rostros (sonrisas, melancolía)
• Proporciones más correctas
• Desaparición de las estilizaciones y deformaciones románicas
• Nuevo sentido espacial
• Composiciones más variadas
• Actitudes menos rígidas
• Horror al vacío
• Paisaje como fondo de los relieves
• Fondos arquitectónicos

Temas:

• Religiosos humanizados
• Escenas evangélicas, marianas y vidas de santos
• Vida de Cristo: Nacimiento, Epifanía, Pasión
• Virgen con el Niño: Intermediaria entre Dios y los hombres, coronada de reina
• Santos patrones o protectores
• Muerte (escultura funeraria)
• Temas profanos en retratos dentro de temas religiosos

Fachadas

• Fachada occidental: Historia de Cristo
• Fachada norte: Virgen y Santos
• Fachada meridional: Juicio Final

El pórtico, repleto de esculturas, resume los grandes motivos espirituales, culturales y sociales de la época. Los temas son cristológicos, marianos, hagiográficos y la muerte.

Retablos

Los retablos, obras de arte que cubren el muro tras el altar, están hechos de madera, piedra o metal. Combinan pintura, escultura o ambas. Su estructura varía en el tiempo, siendo las más características el modelo de pedestal, banco o predela (a veces doble) y el cuervo bajo (primer sotabanco). El cuerpo del retablo se divide en calles separadas por entrecalles. Los pisos son las divisiones horizontales y el guardapolvo protege el conjunto. Las puertas laterales se cierran para su protección. El ático es la prolongación de la calle central y el sotabanco la parte inferior del banco doble. Los temas son religiosos.

Sepulcros

La preocupación por la muerte impulsa la escultura funeraria. Existe una gran variedad de sepulcros con estatuas. Las figuras del difunto, en posición yacente sobre el sarcófago, se representan orando, meditando, leyendo o muerto con sus hábitos. Se ubican en capillas funerarias bajo un baldaquino.

Escultura de Bulto Redondo

• Cristo crucificado: Sujeto con tres clavos, expresión de dolor, estudio anatómico en desarrollo, cuerpo arqueado y coronado de espinas.
• Virgen con el Niño: Ritmo curvilíneo, apoyo del peso sobre una pierna, comunicación con el Niño, sonrisa.
• La Piedad: Virgen con Jesús muerto en brazos, dramatismo.

Ejemplos de Arte Gótico

Catedral de Chartres

Construida sobre una anterior catedral románica tras un incendio, la catedral de Chartres (terminada en 1220) se convierte en modelo para otras catedrales góticas. Su planta basilical, cabecera de gran tamaño, tres naves en los pies y el transepto que se amplían a cinco en la cabecera, doble girola con tres capillas perimetrales, y alzado tripartito (arcadas, triforio y ventanas altas) la convierten en un ejemplo paradigmático del gótico. La supresión de la tribuna y la conservación del triforio permiten una gran expansión del ventanaje, confiriéndole esbeltez y ligereza. Los arcos apuntados, las columnas que sustituyen la alternancia de pilares y columnas, las bóvedas de crucería simple y los arbotantes proyectados hacia el exterior son otros elementos destacables. La catedral gótica, además de su función religiosa, regulaba la vida secular con sus campanas y servía como escenario para festividades religiosas y profanas. Su forma y estructura simbolizan la casa de Dios, Cristo, la Jerusalén Celestial y el Universo.

Catedral de Reims

Construida entre 1230 y 1260, la catedral de Reims presenta una planta de cruz latina, bóveda de crucería, amplio ábside con capillas radiales, pilares con columnillas adosadas, arbotantes y contrafuertes. Su fachada, característica del siglo XIII francés, presenta un esquema tripartito con dos torres gemelas que enmarcan un cuerpo central. La división en tres cuerpos horizontales (puertas, rosetón y arquería alta) se complementa con esculturas religiosas en las jambas y gabletes. La Coronación de la Virgen, la Crucifixión y el Juicio Final son algunos de los temas representados. Las esculturas de las jambas de la puerta central, con escenas evangélicas como la Anunciación, la Visitación y la Presentación, destacan por su calidad artística y la variedad de estilos. La catedral de Reims, lugar de coronación de los reyes franceses, se convierte en un escenario para el ceremonial monárquico.

Retablo de la Seo de Zaragoza

El retablo mayor de la Seo de Zaragoza, obra clave de la escultura gótica europea, fue encargado por el arzobispo Dalmau Mur. El proyecto inicial, encargado al escultor catalán Pere Joan en 1434, consistía en un retablo con predela de alabastro policromado y un cuerpo de tres calles con escenas en madera. En 1445 se termina el sotabanco, decorado con escudos heráldicos y ángeles. El banco, dividido en siete casetones, representa el martirio de San Lorenzo y escenas de la vida de San Valero y San Vicente. En 1467 se encarga al maestro alemán Hans de Suabia la realización de las tres escenas del cuerpo del retablo en alabastro: la Epifanía, la Transfiguración y la Ascensión. Las figuras, de influencia centroeuropea, presentan gran variedad y amplios pliegues en los ropajes. Hans de Suabia también realiza los doseles calados y los pináculos. El retablo se remata con un guardapolvo con decoración vegetal y ángeles portadores de escudos episcopales.

Virgen Blanca de Toledo

.Es del siglo XIV en alabastro policromado. Corresponde a la tipología de las llamadas “Vírgenes Bellas”. El rostro idealizado y risueño de la Madre, el gesto tierno del Niño, los ricos vestidos, el movimiento y la gentileza son características de estas vírgenes góticas. Análisis de la obra: se encuentra ubicada sobre un altar, en el coro de la catedral de Toledo. Es de un autor anónimo. Mide 1,5 de alto realizada en alabastro blanco con policromía en los cabellos y oro en la corona y en la franja del vestido. El rostro y las manos son de color natural, aunque oscurecido por el paso del tiempo. La Virgen está de pie, en actitud erecta, sostiene al Niño, apoyado sobre el pecho estableciendo una correspondencia horizontal entre la cabeza de la Virgen y el cuerpo del Niño. Es de una prodigiosa esbeltez y de gran simplicidad formal, sólo animada por la gracia de los pliegues del manto. Su rostro es oval con los ojos rasgados y entornados. Boca sonriente. Se vuelve hacia el Niño con gesto tierno y el Niño sostiene una fruta y acaricia con dulzura la barbilla de su madre. La cabeza de la Virgen está cubierta con un manto y coronada con una corona real dorada. El modelo corresponde a las vírgenes góticas de origen francés, que llegaron a nuestro país sobre todo en el siglo XIV.

GIOTTO.Puntura al fresco de la capilla Scrovegni de Padua, realizadas entre 1303 y 1305, corresponde a una de las pinturas de las 37 escenas de la vida de la Virgen y de Jesús. En las paredes laterales se narran secuencias de la vida de la Virgen y en otra el Juicio Final, donde el autor incorpora al rico Scrovegni ofrendando la capilla. Análisis de la obra: en esta pintura Giotto representa una escena de la Pasión de Cristo: el beso de Judas y posterior prendimiento de Jesús en el Huerto de los Olivos. Compone la escena únicamente con los personajes, prescinde de lo anecdótico. Para él lo principal es la figura humana, tratada con un carácter bastante volumétrico, creando un canon de figuras macizas y con corporeidad. Su concepción volumétrica y monumental es consecuencia de la importancia que da al dibujo y de la utilización de la luz, que moldea las figuras y matiza los colores creando efectos de claroscuro, como se aprecia en la capa amarilla de Judas que centra nuestra atención. El pintor dota a las figuras de un cierto movimiento, movimiento acrecentado por las líneas diagonales de los brazos de los personajes del primer plano y por las líneas de las lanzas del fondo que contribuyen a crear una atmósfera dramática, reflejada a través del contraste entre la agitación de las turbas y la quietud del grupo central de Cristo abrazado a Judas. El dramatismo de la escena también lo conseguirá por el tratamiento tan expresivo que da a los gestos y actitudes de los personajes. Giotto a través de su pintura va a demostrar un gran interés por el ser humano y la naturaleza que lo rodea, de ahí que se gran preocupación sea captar la profundidad. Su obra está presidida por una gran preocupación espacial constante, que se refleja en los encuadramientos escenográficos de sus pinturas, unas veces conseguidos a base de arquitecturas y otras, como en esta pintura con algunos árboles aislados que pinta al fondo de la escena, paisaje todavía esquemático. Enrico Scrovegni mandó construir dicha capilla en 1403 adjunta a su palacio, acaso para hacerse perdonar los pecados de su padre, a quien Dante sitúa en el infierno entre los usureros.

ARNOLFINI.Pintura flamenca de 1434. Retrato de cuerpo entero del matrimonio, en la cámara nupcial de una casa burguesa. Análisis de la obra: en el cuadro ambos personajes aparecen de pie, cogidos de la mano; el esposo mostrando su posición dominante en su postura frontal, tiene su mano derecha levantada; y la mujer, con la izquierda sobre el vientre, simbolizado bien su virginidad o bien sus deseos de fertilidad. La habitación se abre al exterior a través de una ventana, situada a la izquierda, con vidriera donde aparece el paisaje natural. A la derecha hay un lecho con dosel y junto a él, un sitial (asiento de ceremonia) de elevado respaldo que remata en una pequeña escultura de Santa Margarita, patrona de los partos, de cuya base prende una escobilla que simbolizaría a Santa Marta, patrona del hogar. En la pared del fondo cuelga un espejo de forma circular y una ristra de cuentas, instrumento de contabilidad propio de banqueros; si bien otras opiniones lo convierten en un rosario de cristal, signo de pureza y obligación de ser devota por parte de la novia. Bajo ellos, y arrimado al muro, un banco cubierto por cojines y un lienzo rojo. Tras la figura de Arnolfini se percibe una mesita con naranjas y otras frutas en el alféizar de la ventana, que aparte de aludir al origen mediterráneo de los novios, son símbolos de la inocencia frente al pecado. Aparecen otros objetos de uso personal como dos pares de zapatillas y un perro. El perro es símbolo de fidelidad y amor terrenal y las zapatillas son señal de que están celebrando una ceremonia. La atmósfera del cuadro viene dada por la luz tamizada que procede de la ventana, a la que se suma la única vela encendida de la lámpara de bronce que cuelga del techo, que tal vez simbolice el ojo de Dios que todo lo ve. Desde el punto de vista artístico hay una evidente preocupación espacial, como acredita la utilización del espejo. En cuya superficie se ve de espaldas el matrimonio, además de la obra está realizada con realismo y minuciosidad, erigiéndose el autor en precursor de los grandes intimistas neerlandeses del siglo XVIII. Iconografía. Es una obra llena de simbolismo: los esposos se dan la mano y él bendice con la diestra. La lámpara, que está encendida en pleno día, simboliza el amor conyugal. El perro, como en los sepulcros, es tributo de la fidelidad marital. El espejo alude a la pureza del sacramento y está rodeado de diez escenas de la Pasión.También hay múltiples signos de la alta posición social de este comerciante; desde la ropa y los muebles a las naranjas del sur europeo o la alfombra de Anatolia, reflejando todo ella la fortuna y posición de los novios. El cuadro ya no es pintura plana, sino que representa las tres dimensiones y por lo tanto ya hay perspectiva tridimensional, que junto con la técnica del óleo nos da un cuadro de pintura viva, con es espléndido colorido.