Qué es la animación: técnicas, pipeline 3D, diseño de personajes y producción

¿Qué es la animación?

¿Qué es la animación?

Animar es dar movimiento a algo que, por sí mismo, no debería moverse. Puede ser un dibujo, un objeto, una figura de plastilina o un personaje digital. Funciona gracias a los frames o fotogramas: vemos imágenes estáticas una detrás de otra tan rápido que nuestro cerebro crea la ilusión de movimiento. Este fenómeno se llama fenómeno phi y es la base de todo. Aquí aparece el primer paradigma de la animación: lo que manipulamos no es real, es ficticio, y aun así el público puede emocionarse, reír o llorar con ello.

Técnicas de animación

Stop motion

• Puppet animation: muñecos articulados pero no deformables.
• Clay animation: muñecos de plastilina que sí se pueden deformar.
• Cut-out animation: personajes hechos con piezas planas.
• Object animation: objetos cotidianos animados.
• Pixelación: personas reales animadas como si fueran muñecos.

Animación 2D

• Animación tradicional o cel animation: cada frame se dibuja a mano.
• Paint on glass: se pinta sobre vidrio retroiluminado.
• Direct on film: se pinta directamente sobre el celuloide.
• Flipbook: un dibujo por página.
• Digital hand-drawn: igual que la tradicional, pero en digital.
• Rotoscopia: se calca imagen real.

Conceptos: Rubbery — personajes con efecto goma. Limited animation: reutilización de dibujos para ahorrar trabajo.

Squigglevision: vibración constante del dibujo para mantener la atención.

Animación 3D (volumen)

• Cartoon animation: no busca realismo, sino expresividad (ej. estilos tipo Pixar).
• CGI realista: busca credibilidad visual.

Conceptos: Toon shading: aspecto 2D aplicado a modelos 3D. Uncanny Valley: cuando algo casi real resulta inquietante.

Difíciles de clasificar

Stop motion: sand animation, animación de siluetas, pinscreen.

2D: street art.

Formas de producir una animación 3D

• Producción lineal: narrativa cerrada (películas, cortos).
• Producción no lineal: el espectador decide (videojuegos).
• Producción complementaria: animación mezclada con imagen real (VFX).
• Arte digital / experimental: búsqueda artística, subvenciones.

Pipeline 3D

Preproducción

Idea: brainstorming, hacer preguntas, lateral thinking, juego de sombreros.

Guión.

Storyboard: puente entre el guión y la imagen. No es solo dibujo: incluye movimientos de cámara, líneas de acción y ritmo.

Animatic: convierte el storyboard en tiempo real y permite calcular duración y ritmo.

Diseño visual.

Producción

Layout: versión 3D del animatic. Se deciden cámaras y encuadres.

• Rough layout: formas básicas.
• Final layout: versión final.

Assets:

• Proxy assets: fase inicial sin detalle.
• Stage assets: más detalles, sin esqueleto.
• Production ready assets: versión final.

Funciones principales:

• Storytelling.
• Scene / set assembly.
• Composición del frame.
• Brief / animación básica.

Modelado: construcción de geometrías tridimensionales.

Formatos de ficheros:

• Nativos: solo se pueden abrir con un programa.
• No nativos: se pueden abrir con diferentes programas.

Tipos de modelado:

• Orgánico: formas naturales y suaves, deformación.
• Hard surface: formas rígidas y geométricas.
• CAD/CAM: diseño de objetos funcionales.

Según el proceso de producción:

• Poligonal: vértices, aristas y caras.
• NURBS: curvas (no vectores sino funciones).
• Procedural: el ordenador genera automáticamente el modelo.
• Escultura digital.
• Ombrejat: define interacción con la luz (sombreado).
• Escáner 3D: capturan formas mediante láseres.
• Fotogrametría: modelado a través de fotografías.

Cómo hacer un poly modelo en 3D:

• Box model: forma básica + subdivisiones.
• Punto por punto: colocando los vértices en un espacio tridimensional.
• Por aristas: extrude de las aristas.
• Dinámicos: se le dan propiedades físicas y un peso.

Conceptos:

• Mapa de UV: reproducción 2D de un objeto tridimensional.
• Wireframe: estructura básica con líneas.

Técnicas de modelado:

• Subdivisiones.
• Juntando geometrías.
• Sculpting.
• Extrude de aristas.
• Poligonación.

Geometrías y gestión:

• Geometrías abiertas: 2D.
• Geometrías cerradas: 3D.
• Historial geométrico: cuando tienes la figura final se borra el historial para reducir peso.

Herramientas básicas:

• Mover, escalar, rotar.
• Editar vertex, edges, faces.
• Extrude, creación de aristas, cerrar geometría.
• Formas redondeadas, simetría.

Texturización y sombreado

Propiedades físicas: color sólido, patrón, imagen personalizada.

Surface scattering: efecto que simula cómo la luz atraviesa un objeto semitransparente.

Estéticas:

1. NPR: no intenta reproducir la realidad (non-photorealistic rendering).
2. PBR: sí reproduce la realidad (physically based rendering).

Tipos de materiales:

• Lambert o standard: sin reflejos.
• Phong: se trabaja mucho en plásticos.
• Blinn o metal: reflejo difuminado.
• Anisotrópico: vinilos, objetos satinados.
• Multilayer: combinación de capas.

Iluminación

Procedencias: directa / indirecta (llega por rebotes) / transmitida.

Propiedades: color, intensidad, sombras, efectos (de lente o volumen), decay y atenuación (más o menos realista).

Tipos de luz:

• Puntual o zonal: point light, area light, spotlight.
• De escenario o entorno: directional light.
• De cúpula: physical sky, skydomes.

Luz especular: punto brillante que aparece en la superficie de un objeto, reflejos de la fuente de luz.

Shadow mapping: técnica para falsear sombras.

Workflow de iluminación:

1. Establecer iluminación global (día/noche, cálido/frío).
2. Iluminar el set.
3. Iluminar el personaje.
4. Añadir luces prácticas.
5. Modificar todas las luces.
6. Definir los efectos de la luz.

Rigging y Skinning

Rigging y skinning: preparación del esqueleto y la deformación para que el personaje pueda animarse correctamente. (Aquí se enlaza con Animación, Iluminación y VFX).

Render

Cámara:

• Cámara perspectiva: sensación de profundidad y perspectiva.
• Cámara ortográfica: todos los objetos a la misma escala (ej. estilo South Park).
• Libre: permite decidir qué objeto enfocar.
• Target: tiene un punto fijo de enfoque.
• Profundidad de campo / motion blur.
• Distancia focal.
• Aperturas.

Configuración básica del render de imágenes:

1. Render setup: menú donde el usuario define el resultado (número de frames, fuente, formato de archivo, calidad de la imagen, carpeta).
2. Renderizador: el «cerebro» de procesamiento.
3. Velocidad del ordenador:

• CPU: procesador.
• GPU: tarjeta gráfica (o uno u otro, a no ser que sea render híbrido).
• Memoria RAM: memoria temporal.
• Disco duro.

Maya: 3 renders diferentes:

• Maya Software.
• Maya Hardware.
• Arnold.

Una vez todo está configurado → Proceso de teselación:

• Transforma todas las geometrías en polígonos.
• Aplica triangulación a todas las caras del polígono.

Métodos de render

• Scanline: escanea de arriba a abajo y de derecha a izquierda — no realista.
• Z-Buffer: genera una escala de grises que indica la distancia relativa de cada píxel respecto a la cámara.
• Ray Tracing / Path Tracing: simula iluminación realista enviando rayos desde la cámara a la escena.

Ajustes específicos de render:

• Sampling: define la calidad del render.
• Tile Size: división de la imagen en bloques.
• Render multipass: sirven para hacer retoques, divide el frame en capas.

Granjas de render:

• Sala o conjunto de ordenadores dedicados al render.
• Pueden trabajar en paralelo (cada máquina procesa píxeles o tiles) o en serie (varias máquinas combinan recursos para calcular una sola imagen).

Postproducción

• Compositing.
• Corrección de color.
• Sonido.
• Output final.

Áreas de una producción

• Narrativa: historia y personajes.
• Creativa: diseño visual y animación.
• Técnica: software, render y simulaciones.
• Producción: planificación, tiempos y presupuesto.

Diseño de personajes

Documentos:

• Briefing (palabras clave + background + personalidad).
• Investigación.
• Sketches (siluetas, outline, creación de forma).
• Turnaround (frontal, perfil, ¾): Model sheet (front, side en T-pose 90º o 45º).
• Expresiones y poses: expressions sheet.
• Paleta de color y texturas.

Se requiere que inicialmente el personaje:

• Esté en T-pose 90º o 45º.
• En estado desnudo (sin ropa ni accesorios).
• Sin color.
• Sin atrezzo.
• Sin expresiones faciales (hoja de expresiones aparte).

Creación y diseño de escenarios y objetos

Documentos:

• Mapa zenital.
• Sketch con y sin atrezzo.
• Props sheet (vista sola de cada atrezzo).
• Blueprint (documento con distancias y ángulos).
• Escala.

Diseño del estilo visual

Documentos:

• Render style (marcan las necesidades técnicas).
• Iluminación.
• Color script.

Creación de la animación

A nivel artístico

Documentos y pruebas:

1. Exposure sheet / dope sheet (contiene los planos en frames para ver la duración de cada uno).
2. Anatomía del personaje (crea el esqueleto).
3. Tests de animación (departamento de rigging).

A nivel técnico

Ordenador:

• Disco duro (memoria independiente del cierre del programa u ordenador).
• Periféricos (teclados, ratones, tableta, etc.).
• CPU (procesador, núcleo central del ordenador).
• GPU (se encarga del contenido visual).
• RAM (memoria temporal).

Tipos de software:

• Generalista (abarca más de una etapa de producción).
• Nodal (cada nodo tiene una función).
• Turnkey (herramientas accesibles para todos).
• Específico (tiene una función concreta).
• Por capas (ordenados de forma jerárquica).
• Propietario (software de grandes productoras).

Estética y estilos visuales

NPR (render no fotorrealista) — PBR (physically based render).

• Cartoon: redondeado, colores planos, luces degradadas, formas exageradas, suavidad en todo.
• Low poly: pocos polígonos.
• Estética estilizada: mezcla de cartoon y toon shading, textura construida a través de elementos artísticos.
• Toon shading: arte bidimensional sobre escenas tridimensionales; no busca volumen fotorealista, logra 3D a través del movimiento de cámara.
• Digital: pixel art, estética 8 bits, glitch art.
• Realismo o fotorrealismo: intenta copiar la realidad (evitar el uncanny valley).

Tipos de animación y VFX (estructuras de estudio)

Mega estudios

• Varias producciones en paralelo.
• Altos presupuestos.
• Muchos supervisores por departamento.
• Departamentos muy especializados en fases únicas.

Pros y contras:

• Software propio.
• Granjas de render propias.
• Cubren todas las fases (pre, pro, post).
• Suelen tener set de grabación y rodajes híbridos.

Medium-small studio

• Núcleo fijo pequeño; resto, artistas freelance.
• Artistas generalistas: una persona cubre varias fases del pipeline.
• Sin estética fija; mayor variedad creativa.
• Fuente adicional de ingresos: escuelas de animación, talleres.

Estudios especializados

• Funcionan en coproducciones.
• Mejor nivel tecnológico y más especializados.
• Muy enfocados en VFX, motion capture.

Estudios independientes

• Equipos pequeños.
• Ingresos por festivales, premios, subvenciones, merchandising, etc.

Notas finales

Este documento recoge conceptos, técnicas y procesos clave de la animación en sus distintas vertientes: stop motion, 2D y 3D. Está pensado como un recurso docente para visualizar el flujo de trabajo, los roles y las decisiones creativas y técnicas implicadas en una producción audiovisual animada.