Análisis de la Poesía de Garcilaso de la Vega, Fray Luis de León y San Juan de la Cruz

En Tanto Que de Rosa (Garcilaso de la Vega)

Garcilaso de la Vega, uno de los autores renacentistas más importantes, destaca por renovar la lírica española introduciendo temas como el amor platónico y metros italianos como la lira o el soneto, especialmente de Petrarca.

Garcilaso de la Vega provenía de una familia noble y desde muy joven sirvió al emperador Carlos V. Se casó con doña Elena de Zúñiga, pero al parecer no fue un matrimonio muy feliz, pues se enamoró de doña Isabel Freyre.

Murió muy joven, malherido en el asalto a la fortaleza Le Muy en Provenza.

Tema y Estructura

El tema de este poema es el Carpe Diem (vive la vida, disfruta el momento). El poeta aconseja a una joven bella que aproveche su juventud antes de que sea tarde y se haga mayor.

Esta composición poética es un soneto que consta de dos cuartetos y dos tercetos. La rima es consonante. Cada verso tiene 11 sílabas (endecasílabo). El esquema métrico es ABBA ABBA CDE DCE.

Análisis

Podemos dividir este poema en dos partes:

• Los cuartetos describen (Descriptio Puellae) cómo es físicamente la muchacha: pelo rubio “que en la vena del oro se escogió”, piel blanca “azucena”, labios rojos “rosa”. Esta es la descripción del prototipo de mujer renacentista.
• En los tercetos, el poeta le aconseja con un verbo en imperativo (“coged”) que aproveche su juventud antes de que el tiempo acabe con su belleza (tópico literario del collige, virgo, rosas).

Para destacar la belleza de la chica, utiliza varias metáforas como “La Rosa” y “la azucena”. También nos describen los sentimientos de la dama puesto que es “ardiente”, pasional como simboliza la rosa pero también es “honesta”, significado que podríamos atribuirlo a la azucena.

Asociaremos el Carpe Diem con las metáforas relacionadas con el paso del tiempo. El poeta utiliza a modo de metáfora la palabra ”primavera” para representar la juventud, y el invierno para la vejez y el paso del tiempo. Podemos encontrar anáforas en los versos 1º y 4º “en tanto que” que insiste en la idea de presente, es decir, en la juventud que ahora tiene la chica descrita.

Conclusión

En conclusión, el poeta hace un retrato idealizado de la enamorada. Es aquí donde comprobamos como un autor como Garcilaso renovó los temas de la lírica española del Renacimiento no conformándose en ser un simple imitador sino que tratando de dar nuevos matices a la tradición poética.

Si de Mi Baja Lira (Garcilaso de la Vega)

Garcilaso de la Vega, uno de los autores renacentistas más importantes, destaca por renovar la lírica española introduciendo temas como el amor platónico y metros italianos como la lira o el soneto, especialmente de Petrarca.

Garcilaso de la Vega provenía de una familia noble y desde muy joven sirvió al emperador Carlos V. Se casó con doña Elena de Zúñiga, pero al parecer no fue un matrimonio muy feliz, pues se enamoró de doña Isabel Freyre.

Murió muy joven, malherido en el asalto a la fortaleza Le Muy en Provenza.

Análisis

Esta oda está escrita en liras (estrofas formadas por versos de 7 y 11 sílabas con la rima consonante aBabB).

En las dos primeras estrofas expresa su deseo de que su poesía pudiera calmar la furia de los elementos y de las fieras, como sucedía con la música de Orfeo (referencia al mito).

En la 5ª y 6ª estrofa, introduce el tema de la belleza de la dama y su dureza.

En la 6ª y 7ª liras hace un juego de palabras con los nombres de la pareja, él llora convertido en viola y rema condenado en la concha de Venus.

Las cuatro siguientes estrofas comienzan con una anáfora.

En la lira número 12, explica que incluso huye de él, como si fuera una serpiente venenosa. En la siguiente le dice elegantemente que quien tiene tantos aciertos no ha de cometer un fallo como el de despreciar a su amigo.

Figuras Retóricas

En cuanto a las figuras retóricas, hay que destacar el uso del epíteto (baja lira, animoso viento, ásperas montañas, suave viento), la polisíndeton (el uso excesivo de la y ), las metáforas y juegos de palabras (con los nombres de los protagonistas), las anáforas...

Oh Dulces Prendas (Garcilaso de la Vega)

Garcilaso de la Vega, uno de los autores renacentistas más importantes, destaca por renovar la lírica española introduciendo temas como el amor platónico y metros italianos como la lira o el soneto, especialmente de Petrarca.

Garcilaso de la Vega provenía de una familia noble y desde muy joven sirvió al emperador Carlos V. Se casó con doña Elena de Zúñiga, pero al parecer no fue un matrimonio muy feliz, pues se enamoró de doña Isabel Freyre.

Murió muy joven, malherido en el asalto a la fortaleza Le Muy en Provenza.

Análisis

Este soneto consta de dos cuartetos y dos tercetos encadenados, de versos endecasílabos y de rima consonante (ABBA/ABBA/CDC/DCD).

El tema principal es el gran sufrimiento ante la pérdida de su amada. En la primera estrofa exalta el dolor que siente ante el recuerdo de su amada. En la segunda recuerda la felicidad que ha pasado con ella antes de su muerte y la tristeza presente. Finalmente, en la tercera y cuarta estrofa, el autor realiza una petición desesperada de que el dolor le abandone, y si no la muerte.

En este poema se nos representan dos muertes. La de Isabel Freyre, pero a la vez, la del autor. El tema: el dolor por la ausencia de su amor.

Utiliza un lenguaje sencillo y natural que se observa a través de los contrastes que aparecen en todo el poema. Hay una exclamación en la primera estrofa y una interrogación retórica en la segunda.

Figuras Retóricas

Antítesis (dulces prendas por mi mal halladas, pasadas horas que tanto bien, todo el bien junto el mal, tantos bienes memorias tristes) que utiliza Garcilaso para expresar su antiguo dulce amor y el dolor que ahora padece.

También podemos encontrar hipérbaton (Pues en una hora junto me, que por terminos , verme morir entre.)

Recoge ya en el Seno (Fray Luis de León)

Fray Luis de León fue un poeta, humanista y religioso agustino español de la escuela salmantina.

Fray Luis de León es uno de los poetas más importantes de la segunda fase del Renacimiento español. Su obra está inspirada por el deseo del alma de alejarse de todo lo terrenal para poder alcanzar lo prometido por Dios.

Análisis

Esta composición nos expresa el dolor, la angustia, la melancolía que siente el autor, al estar encarcelado. A la vez, también se siente traicionado por aquellos que lo traicionaron. De forma exhortativa le pide a su amigo que busque esa inspiración en las musas y sobre todo que escriba.

Ave vengadora del Íbico en la composición es la grulla que fue el testigo de la muerte del poeta Íbico y quien descubrió a los asesinos.

Estructura

El poema se divide en tres partes:

• La primera parte (estrofas 1-3): Nos habla del final del otoño. Nos describe el cambio de estación, de otoño a invierno, dónde podemos ver claramente, como se transforma la naturaleza, pasa a ser un paisaje triste, desolador:‘’las cimas de los árboles despoja’’ (los árboles pierden sus hojas), ‘’ya Febo inclina el paso’’ (el sol tiene una duración corta), ‘’ya el ave vengadora del Íbico navega…’’ (las grullas emigran en invierno).
• La segunda parte (estrofas 4-7): Invita a su interlocutor a estudiar y a “subir al cielo”, le incita a que vaya en busca de esas musas que le proporcionarán la inspiración. Expresa que quiere trascender su alma.
• La tercera parte (última estrofa): Fray Luis le dice a Grial que escriba poemas que él no puede, está desolado por su encarcelamiento. Cree que ha sido víctima de una traición. Destacamos en esta estrofa el hipérbaton y la aliteración del sonido vibrante r : Que yo, de un torbellino traidor acometido y derrocado … donde se nos muestra la rabia que siente el poeta.

Llama de Amor Viva (San Juan de la Cruz)

San Juan de la Cruz, religioso y poeta místico del renacimiento español (1542-1591), fue reformador de la Órden de los Carmelitas junto con Santa Teresa de Jesús. Desde 1952 es considerado el santo patrono de los poetas en lengua española. Éste es considerado uno de sus tres “poemas mayores”, junto con Cántico espiritual y Noche oscura.

Análisis

El poema es una lira, pues consta de cuatro estrofas de seis versos. Dos versos de siete sílabas se combinan con uno de once. La rima es consonante tiene el siguiente esquema: abC abC deFdeF ghIghI jkLjkL.

El tema principal es el amor y la comunicación del alma con Dios, pero también hay otros temas como el dolor de la separación, la iluminación divina del alma…

El poema expresa el amor y el deseo de unión del alma con Dios.

En la primera estrofa, San Juan compara a Dios con una llama que arde dentro de su alma. Su deseo de Dios es tan grande que le pide que rompa la tela que los separa, es decir, que libere su alma para conseguir, una unión perfecta. En la siguiente estrofa expresa las contradicciones del amor místico; por un lado es agradable y, por otro lado, es doloroso. La tercera estrofa compara la luz de Dios con una lámpara cuya luz da sentido a su vida. En la última habla de la serenidad que le produce el amor que anida secretamente en su corazón.

Figuras Retóricas

En el poema hay sinalefas en los versos :1,3,4,6,9,10,12,16,18,19,22,24.

Respecto a los recursos expresivos, destacan las metáforas y el uso del oxímoron en la segunda estrofa. Además, hay muchos epítetos en todo el poema (dulce, blanda, delicado, profundas, etc.) y un hipérbaton.

El Escrito Está en mi Alma (Garcilaso de la Vega)

Garcilaso de la Vega, uno de los autores renacentistas más importantes, destaca por renovar la lírica española introduciendo temas como el amor platónico y metros italianos como la lira o el soneto, especialmente de Petrarca.

Garcilaso de la Vega provenía de una familia noble y desde muy joven sirvió al emperador Carlos V. Se casó con doña Elena de Zúñiga, pero al parecer no fue un matrimonio muy feliz, pues se enamoró de doña Isabel Freyre.

Murió muy joven, malherido en el asalto a la fortaleza Le Muy en Provenza.

Análisis

• El tema es, evidentemente, el amor.
• Se trata, como ya se ha dicho, de un soneto petrarquista clásico, formado por dos cuartetos más dos tercetos con rima consonante ABBAABBACDECDE.
• En los cuartetos se nos muestra la importancia de este amor con dos metáforas: el alma como papel en el que la amada escribe y la amada como motivo de fe, al igual que Dios. En los tercetos esta idea se refuerza mostrando el poeta que su existencia sólo tiene sentido por su amada.

Primer cuarteto, aparece la metáfora más audaz y original del poema: el alma del poeta como papel donde la amada va plasmando los sentimientos que dan origen al poema. El poeta entonces ha interiorizado y es un reflejo de la amada, que dicta las palabras de este poema (idea de amor platónico). Los cuartetos se encuentran entrelazados mediante una anadiplosis (Repetición de la última palabra de un verso y la primera del siguiente) con el fin de no abandonar el tema: el poeta hace hincapié en la permanencia eterna de este sentimiento mediante la repetición del verbo estar y el adverbio siempre. La metáfora alcanza aquí un nuevo plano casi místico, puesto que el poeta está extasiado por su dama, al igual que los cristianos lo estamos ante Dios. Y al igual que los cristianos, la fe es ciega e irracional (tópico amoroso): no se entiende pero se cree. En este mismo cuarteto nos encontramos con una hipérbole que señala que es tan grande la presencia de la amada que el alma del poeta no puede asimilarla (visión cristiana de Dios).

En el primer terceto hay un giro: mediante una nueva hipérbole en el primer verso (yo no nací sino para quereros) el poeta aparece sin libertad, predestinado a querer eternamente a esta mujer, mostrándose otra vez una estrecha relación con el cristianismo, que entiende que el hombre existe para amar a Dios, aunque el cristiano es más libre que Garcilaso en este poema. Esta falta de libertad queda también reflejada en una personificación, la del alma que, con autonomía propia, sin la participación de la voluntad del poeta, no copia ni calca ya, sino que se recorta a sí misma siguiendo el patrón de la amada. Es ya al final del poema cuando el sentimiento desborda el equilibrio del amor renacentista. Si bien el poeta debe la vida a su amor, éste, a su vez, le da la muerte. Estos dos magníficos últimos versos están construidos sobre la anáfora y el paralelismo y dos imágenes antitéticas: la vida y la muerte.

Oda a la Vida Retirada (Fray Luis de León)

Fray Luis de León fue un poeta, humanista y religioso agustino español de la escuela salmantina.

Fray Luis de León es uno de los poetas más importantes de la segunda fase del Renacimiento español. Su obra está inspirada por el deseo del alma de alejarse de todo lo terrenal para poder alcanzar lo prometido por Dios.

Tema

Asunto o argumento: El autor comienza con un elogio a la vida retirada y el desprecio por las pompas humanas y el ansia de fama, busca la tranquilidad, y quiere vivir en armonía con la naturaleza, disfrutando de ella. Es para otros la riqueza y el poder, a él lo que le atrae es la vida sencilla y los simples placeres que le depara la naturaleza.

Tema: La apacibilidad de la vida sencilla en contacto con la naturaleza.

Estructura

En primer lugar, la Oda I está compuesta por 17 liras, estrofa compuesta por versos heptasílabos, de arte menor (1a, 3a y 4b), y endecasílabos, de arte mayor (2B y 5B), cuya estructura es aBabB; la rima es consonante.

En segundo lugar, podemos considerar el poema dividido en tres partes.

Análisis de las Figuras Retóricas

En la primera lira el adjetivo se antepone al nombre para darle más expresividad a la construcción y para buscar la rima de “vida” con “escondida”. Con la alusión a los sabios se refiere a los estoicos ya que estos son considerados como sabios en el Siglo de Oro en donde había gran imitación de los poetas clásicos. Con “mundanal” se produce un epíteto ya que este adjetivo acentúa las características desfavorables que puede tener el ruido.

Entre las figuras estilísticas de esta lira destacan la antítesis “ vivas y mortal” y la anáfora “si soy, (…) si en busca..”

El autor también utiliza exclamaciones como recurso estilístico dirigiéndose a los elementos de la naturaleza. Exactamente en el verso 21 (¡oh monte, oh fuente…!) con esta exclamación introductoria se produce una reduplicación de “oh” que a su vez aparece al principio del siguiente verso por lo que nos encontramos ante un paralelismo. El artificio utilizado aquí por Fray Luís encierra la connotación de desesperación y deseo de evadirse mediante su estancia en el campo. A esto se añade el contraste de la exclamación con la lira anterior en la que realiza una pregunta retórica (v- 16-20, ¿Qué presta a mi contento…?)

Fray Luis hace uso de metáforas, por ejemplo con la alusión al “navío” se refiere a él mismo, o en un sentido más amplio, alude a la existencia del ser humano. Esta figura queda reforzada con la alusión que realiza posteriormente de un “mar tempestuoso”, donde la palabra mar simboliza la ciudad.

La Noche Oscura (San Juan de la Cruz)

San Juan de la Cruz, religioso y poeta místico del renacimiento español (1542-1591), fue reformador de la Órden de los Carmelitas junto con Santa Teresa de Jesús. Desde 1952 es considerado el santo patrono de los poetas en lengua española. Éste es considerado uno de sus tres “poemas mayores”, junto con Cántico espiritual y Llama de amor viva.

Tema

El tema del texto es el encuentro de una muchacha, en la noche, con su amante.

Estructura

El texto se puede dividir en cuatro partes:

• Primera parte (estrofas 1ª y 2ª): trata de cómo la muchacha escapa de su casa.
• Segunda parte (estrofas 3ª y 4ª): muestra a la muchacha, ya fuera de la casa, yendo al encuentro del amado;
• Tercera parte (estrofa 5ª): expresa el clímax que provoca el encuentro de los amantes.
• Cuarta (estrofas 6ª, 7ª y 8ª): describe la relajación que sigue a la pasión del encuentro.

Recursos Estilísticos

Al comienzo del poema, la alegría de la amada se destaca con recursos enfáticos, de repetición, como:

• La aliteración de nasales en el 2º verso: “con ansias, en amores inflamada”.
• La aliteración de s en el 4º verso: “salí sin ser notada”.
• La repetición de la exclamación del 3º verso en el 8º: “¡oh dichosa ventura!”.

También resalta este estado de ánimo el hipérbaton del 2º verso, que adelanta el complemento circunstancial de modo, “con ansias, en amores inflamada”, al verbo, “salí”.

La facilidad con que la noche disimula la salida de la amada también se subraya con el mismo tipo de recursos:

• La anáfora de “a oscuras” a comienzo de los versos 6º y 9º, entre los que hay un paralelismo.
• El pleonasmo del verso 1º, “noche oscura”, que parece querer dar mayor intensidad a un rasgo natural en la noche, como es la oscuridad.
• La repetición del mismo verso al final de las dos estrofas: “estando ya mi casa sosegada”.

Esta importancia de la noche como tiempo idóneo para encontrarse con el amado se acentúa con:

• La elipsis de “salí sin ser notada”, que se debe sobrentender en la segunda y tercera estrofas. Mediante esta elipsis, el poeta prescinde de la acción para insistir, sobre todo, en el ambiente que rodea a la amada, pues su relevancia en la unión de los amantes es esencial.
• Los hipérbatos de los versos 1º y 11º, donde los complementos circunstanciales de tiempo, “en una noche oscura” y “en la noche dichosa”, preceden al verbo “salí”, explícito en la estrofa 1ª y sobrentendido en la 3ª.