Análisis de tres obras de arte

Noche Estrellada

En primer lugar en la composición al situar la línea del horizonte bastante baja concede gran protagonismo al cielo. Además el encuadre está realizado desde un punto de vista bajo. La escena se puede dividir en dos partes por la línea de las montañas encima de la que se encuentra la línea blanca del amanecer y que separa la zona terrestre y el cielo. El ciprés ondulado y vertical y la torre de la iglesia hacen de nexo de unión entre las dos partes y equilibran con su estabilidad la composición. Existe un claro contraste entre el cielo y la tierra. En el pueblo predominan las formas rectas que indican quietud (cuadrados, triángulos, pentágonos..) estando las líneas del contorno de los edificios marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo del arte de las vidrieras. En el cielo y la vegetación en cambio predominan las líneas curvas y contracurvas. En el cielo intensamente azul se distinguen dos enormes espirales que crean un gran dinamismo. Once estrellas brillan en el firmamento, una extraña luna y otro astro más grande que puede ser el sol del amanecer. Por tanto al dinamismo de espirales onduladas de las estrellas y la luna se contrapone la estabilidad del ciprés y de la torre de la iglesia creando así una composición más estable.

Profundidad:

El tamaño vertical del ciprés frente al reducido del pueblo crea efecto de profundidad.

Color:

Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de la primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista, aunque tendrá una grave recaída en el mes de julio. Contrastan sobre todo los amarillos pasionales con el azul que transmite tranquilidad, quietud, silencio.

La pincelada:

Está llena de pasta y es alargada construyendo sobre todo el espacio celesteRitmo. La composición de la obra, sus colores inducen a nuestros ojos a moverse constantemente en ese torbellino de líneas sinuosas.

Señoritas Aviño

La escena corresponde a un prostíbulo de Barcelona y constituye un cambio revolucionario para el arte del siglo XX. Picasso rompe con la representación tradicional de la naturaleza inaugurada durante el Renacimiento basada en la visión desde un solo punto de vista, con el volumen y la corporeidad mediante el modelado y la gradación de tonos de color.

Tema:

Cinco mujeres de formas angulosas se encuentran en una habitación sin profundidad delimitada por una cortina de pliegues muy angulosos, picudos y fondo plano, así parece que las mujeres estén en un escaparate. Si se divide el cuadro en tres franjas verticales.- En la franja de la izquierda Picasso había pintado un marinero que descorría la cortina. Posteriormente rectificó y sustituyó la figura por una mujer con cabeza de perfil y ojo de frente que recuerda al arte egipcio. El cuerpo es anguloso o con planos picudos, el color de la cara y de gran parte del cuerpo es más oscuro que el de las mujeres centrales. - En la franja central las dos mujeres desnudas que si por una parte remite a desnudos clásicos como las 'majas' muestran cabeza de frente, ojos algo de perfil, ojos almendrados largas orejas influencia del arte ibérico y románico. En la zona inferior un bodegón- En la franja de nuestra derecha se observan dos mujeres con cara deforme que inspiran en las máscaras africanas pero la mujer agachada presenta lo revolucionario ya que simultáneamente muestra parte de su cuerpo de espalda y parte de frente, rompiendo con la perspectiva tradicional Nace así un nuevo modo de representación intelectual y pictórico de los diferentes planos observadosLas figuras están geometrizadas mediante planos facetados de colores planos como en el arte románico delimitados por líneasEl uso de la gama cromática es limitada: se observan blancos, ocres, azulados, grises, azulados. Introduce varios encuadres en el bodegón desde arriba y frontal

Guernica

El 26 de abril de 1937 día de mercado la aviación alemana (legión Cóndor) bombardea la ciudad vasca de Guernica. Es el primer ejemplo de masacre de población civil con fines desmoralizadores que luego se aplica en la Segunda Guerra Mundial. El cuadro es un encargo del gobierno de la Segunda República para la Exposición Universal de París. El pintor lo realiza en dos meses. Aunque el género de la pintura parece histórico, no existe ninguna referencia a enemigos, verdugos, ni armamento, solo víctimas, por tanto se puede considerar como un cuadro denuncia de los horrores de la guerra, de cualquier guerra así se convierte en cuadro símbolo como lo era también los fusilamientos del 3 de mayo.. El cuadro tiene aparentemente caos o desorden porque este es un elemento que provoca cualquier guerra. Sin embargo Picasso establece un orden dentro del desorden con una composición a modo de tríptico, una estructura triangular en el centro y las cuatro grandes cabezas que destacan el toro, el caballo, y las dos mujeres que centran nuestra atenciónCOMPOSICIÓN: Se percibe un eje triangular que tiene como vértice la lámpara y composición a modo de trípticoa. Parte derecha: Una mujer saca su cabeza gritando de pavor ante el horror de las llamas que parece que la van a consumirb. Parte central Tiene una estructura triangular

: En el vértice el quinqué sacado por una mujer tal vez como símbolo de luz y esperanza y bombilla; cabeza del caballo con ojos tipo remache, lengua cuchillo que se encuentra agonizante herido por la lanza que le atraviesa; a nuestra izquierda un pájaro herido; a nuestra derecha mujer moribunda que se arrastra con sus pechos y, en la base de la pirámide el guerrero o soldado descuartizado que lleva una espada y una flor. Fuera de esta estructura una gran cabeza que también parece huir de las llamas y adelanta con su mano el quinquéc. Parte izquierda: Toro y madre con hijo, referencia al tema de la Piedad, quizá lo más expresivo del cuadroELEMENTOS PLÁSTICOS. - El cuadro no tiene prácticamente color, el no color como símbolo de la guerra. Predominan los tonos blancos, negros, grises y azulados - La luz es irreal. La luz surge de los propios cuerpos, destacando rasgos anatómicos que fomentan la expresividad. CABEZAS, BRAZOS, MANOS.. - No tiene volumen, las figuras son planas, excepto el caballo que presenta cierta redondez. Tampoco profundidad si acaso un ligero embaldosado. RITMO O MOVIMIENTO . Se orienta de derecha a izquierda, hacia donde miran todas las figuras, lo que significa la huida de la ciudad que queda sintetizada en el edificio en llamas. Es un cuadro dinámico por alternancia de curvas y rectas, espacios más llenos y vacíos, negro y blanco y la propia deformación de los personajes. Aspecto significativo es que presenta rasgos estilísticos cubistas, expresionista y surrealistas.El cubismo se observa en la selección de diferentes planos como en los pechos (de frente y perfil), el toro o en el caballo (lado derecho e izquierdo)El expresionismo se observa en la deformación de los cuerpos, al igual que la guerra que todo lo deforma: ojos-lágrimas de la mujer que grita ante el incendio, ojos dislocados del guerrero y manos desproporcionadas; ojos remaches del caballo; orejas cuchillos del toro; dedo meñique de la mano que sujeta el quinqué al revés; y la mujer que lleva a su hijo, la nueva piedad con ojos lágrimas, diente de cuchillo del desgarro interior, pecho encuadre frontal y otro lateral.Surrealismo, porque organiza la composición de forma subjetiva y extraña.SIGNIFICADOS O SIMBOLISMOCuadro símbolo, denuncia de la guerra que ocasiona sufrimientos. Alarido de la madre con su hijo, la nueva piedad; ausencia de color símbolo del oscurantismo de la guerra; quinqué y lámpara, la luz símboliza la esperanza al igual que la flor que porta el guerrero El simbolismo del toro y caballo sigue siendo discutido y Picasso nunca quiso aclarar su significado No obstante parece que el toro se puede asociar con la fiereza, el fascismo y el caballo al igual que ocurría en las corridas de la época (los caballos no llevaban peto protector) la víctima: el pueblo español