Pintores del Romanticismo ingles

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Neoclasicismo:


 Es un estilo artístico que se desarrolló especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; florecíó en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. El estilo neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación en Italia de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano en 1738 y de Pompeya en 1748.

Pintura:

La pintura neoclásica se centró en Roma.

Carácterísticas de la Pintura Neoclásica

Temática histórica, ética, debe mostrar las virtudes, el heroísmo dentro del estilo de las Vidas de Plutarco. Temas de la Antigüedad clásica, elementos decorativos, vestimentas, poses de los personajes sacados de la escultura y pintura grecorromana.- Racionalidad, apego a las reglas, la ciencia y el orden. - Claridad y armónía. Linealidad, contornos fuertes. - Composición con predominio de la ortogonalidad. - El color se subordina al dibujo. Uso de las grisallas (sombreado monocromo). - Tectónico, no es pictórico, no hay pinceladas sueltas que disuelven los contornos. El volumen se representa a través del modelado escultórico, con fuertes contornos lineales. - Interés por lo conceptual y no por lo pictórico- visual. El pintor francés Jacques-Louis David, uno de los máximos exponentes de la pintura neoclásica. Su Juramento de los Horacios (1784-1785, Louvre, París) exalta el tema del patriotismo estoico. El cuadro neoclásico concebido como espacio arquitectónico y el friso como cita de figuras, reflejan la preocupación neoclásica de composición lógica y clara. Los perfiles definidos y una luz dura proporcionan a estas figuras la cualidad de estatuas.

Escultura:

En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en mármoles de colores. Preferentemente contornos limpios, una reposada actitud y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

Carácterísticas

- Perfección técnica, gran dominio del oficio.- Idealización, simplificación de los volúMenes. - Poses y vestimentas inspiradas en las esculturas clásicas. - Reproducción de las vestimenta adheridas al cuerpo de la escultura griega o "ropa mojada". - Abandono de lo erótico en la representación. En la "Lucrecia" de Campeny (Cataluña) se elige otra parte del relato, cuando ultrajada, se suicida. La figura dominante en la historia de la escultura neoclásica fue el italiano Antonio Canova que se convirtió en miembro del círculo de Roma en el año 1780; después de haber abandonado el estilo Barroco, buscó en el estilo neoclásico la severidad y la pureza del arte antiguo. Teseo y la muerte del minotauro (1781-1782) reflejan más la calma de la victoria que la propia contienda; ésta fue la primera obra de Canova en su nuevo estilo, y le proporciónó fama inmediata.

Arquitectura:

La arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad. El neoclasicismo representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúMenes, menos adornos. La simetría se generaliza, columnas remplazan los arcos. Frontones triangulares substituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y edificios de Pompeya y Herculano.

Romanticismo


Se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. Se caracteriza por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico. También se caracteriza por esforzarse en expresar estados de ánimo, sentimientos muy intensos o místicos, así como por eludir la claridad y la definición. En la elección de temas, los artistas del movimiento ROMántico mostraron predilección por la naturaleza, especialmente en su aspecto más salvaje o misterioso, así como con asuntos exóticos, melancólicos o melodramáticos que producen miedo o pasión. Los sentimientos comienzan a ser más importantes que la razón. Los sentimientos y la razón adoptaron forma en las pinturas es así como aparecen cuadros como “pesadilla” de Henry Fuseli y los grabados de monstruos y demonios de Francisco de Goya. Este movimiento tuvo carácterísticas muy diferentes dependiendo del país en donde se desarrollo.

Francia:

Coincidíó con las guerras napoleónicas (1799-1815). Los primeros artistas franceses de este estilo encontraron su fuente de inspiración en los acontecimientos que les rodeaban. Se utiliza medios tonos obtenidos de la yuxtaposición de un color con su complementario y no del oscurecimiento de uno de ellos. La principal figura del Romanticismo francés fue Théodore Géricault, que fue quien cambió el sentido heroico de los cuadros de batallas por el del sufrimiento. En su Coracero herido (1814) un soldado se desmaya en el campo. Las poderosas pinceladas, la luz y los tonos oscuros acrecientan el sentido de aislamiento y vulnerabilidad; y esto para Géricault y otros pintores ROMánticos constituía la esencia de la condición humana. La obra maestra de Géricault, La balsa de Medusa (1818-1819), retrata a escala heroica el sufrimiento de la humanidad. Delacroix adopta a menudo temas de la literatura, pero resalta los que tienen más transcendencia literaria o didáctica con el uso de colores que crean un efecto de energía pura o emoción comparado con la música.

Alemania:

Inspirada por la concepción de la naturaleza como manifestación de la divinidad. El más grande exponente y el pintor alemán ROMántico más notable fue Caspar David Friedrich, cuyos paisajes meditabundos, pintados en un estilo lúcido y meticuloso, cabalgan entre el sentimiento delicado y místico y el sentido de la melancolía, de la soledad y de la separación. Su pesimismo ROMántico se expresa más directamente en su obra Mar polar (1824); el recuerdo de un barco naufragado, apenas visible debajo de una pirámide de placas de hielo, parece un monumento al triunfo de la naturaleza sobre la aspiración humana.

Inglaterra:

Los paisajes impregnados de un sentimiento ROMántico se convierten en la principal expresión de la pintura ROMántica, aunque los artistas ingleses fueron más innovadores en estilo y en técnica. John Constable, proveniente de un entorno natural salvaje asociado con muchos poetas y pintores ROMánticos, dotó a los paisajes ingleses de un profundo sentimiento. Fue el primer gran artista en trabajar al aire libre y en llevar al lienzo la frescura de la visión a través del uso de colores luminosos y llamativos a base de pinceladas densas. Estilo seguido por uno de los artistas mas conocidos de este genero Joseph Mallor William Turner.

España:

El Romanticismo en España se manifestó sobre todo en la pintura, representado por Federico Madrazo, con sus cuadros históricos y sus retratos; Antonio María Esquivel, Jenaro Pérez Villaamil, con sus imaginatorios paisajes; Leonardo Alenza, con sus cuadros costumbristas inspirados en la obra de Goya y Eugenio Lucas Padilla, que representaba el espíritu revolucionario de la época. En Cataluña surgíó una escuela pictórica inspirada en los nazarenos alemanes dentro de la que destacan Joaquín Espalter y Pelegrín Clavé.

Impresionismo:


  Los pintores impresionistas organizaron su primera exposición independiente en 1874. Los treinta participantes compartían su rechazo al academicismo imperante y su admiración por las atrevidas composiciones de Monet. El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado Impresión, amanecer (1872, Museo Marmottan, París). El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877. Los impresionistas fueron apoyados por notables miembros de la sociedad francesa, como los literatos Émile Zola y Charles Baudelaire, el pintor-coleccionista Gustave Caillebotte, y el marchante de arte Paúl Durand-Ruel. Sin embargo la prensa y el público, acostumbrados al convencional estilo académico, se mostraron hostiles hacia el nuevo arte. La máxima preocupación de los pintores impresionistas fue la representación de la luz y del color. La forma de los objetos es considerada por ellos como transitoria y cambiante, ya que depende de la luz que se proyecta sobre ellos. Los impresionistas pintan de preferencia al aire libre, y la pintura, gracias a este procedimiento, se enriquecíó con nuevos temas: calles trepidantes, jardines públicos, el mundo animado de las estaciones ferroviarias, las carreras de caballos, las bailarinas, manifestándose en todos ellos la preocupación por recoger los efectos de la luz. En sus primeros tiempos Gauguin abrazó la técnica impresionista. Fruto de este período son sus obras Le christ jeune, La lutte de jacobet de l'ange y su Autorretrato, todas ella pintadas con gran sencillez. Monet es considerada uno de los artistas impresionistas más importantes de la época. Fue un líder entre sus compañeros de arte y los animó con gran entusiasmo a salir de los estudios para pintar la naturaleza. Autor de las telas de grandes dimensiones, la pasión por la luz y la delicadeza de sus trazos lograron convertirlo en un artista de renombre. Sin embargo, como tantos artistas de su época, debíó pasar momentos de grandes apreturas económicas. El arte de Monet, según sus estudiosos, expresa el movimiento y el constante cambio que se aprecia en la naturaleza a causa del juego de la luz. Sin ir más lejos, Monet estaba pintando el vertiginoso cambio de su época, plasmando en sus telas la impresión de un artista maravillado por el efímero.

Postimpresionismo:


 La luz y los colores fueron los protagonistas de la pintura europea a finales del Siglo XIX y comienzos del Siglo XX. Hacia 1880, ya se hablaba en parís de los pintores de las impresiones, aquellos se trasladaron sus talleres a las calles, al aires libre y a la naturaleza para captar los efectos de la luz sobre el paisaje. Se trata de los pintores de la época de la fotografía y las leyes del color. Estos realizaron sus obras en medio del paisaje natural o en aquellos rincones interiores donde la luz cubría toda la visión. Manet, Monet, Renoir, Degas, Cézanee, Pissarro y Sisley fueron algunos de sus máximos representantes europeos. Con un trazo menos realista que el de los impresionistas, los post- impresionistas surgen hacia mediados de la década de 1880 en Europa. El color y luz también fueron fuentes de su inspiración, pero con una mirada más crítica a la sociedad burguesa, más imaginativa y más lúdica respecto al tratamiento de las formas. De aquí que también sean conocidos como expresionistas. Los pintores más importantes fueron Redon, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Denis, Rousseau y Gauguin. Uno de los pintores más cautivantes del post-
impresionismo fue Vicente Van Gogh. De origen holandés, Van Gogh vivíó en la pobreza y solo logró vender un cuadro en toda su vida. S u mundo fue trágico. Su locura, intermitente, según algunos autores, se hizo más evidente con el suicidio de su hermano. A pesar de las adversidades que debíó enfrentar, en sus obras es posible interpretar la aguda mirada de un hombre sensible y lleno de ternura de finales del Siglo XIX. Entre los temas que pintó destacan la alineación en la que había caído el hombre de la era industrial, la deformación y la fatiga de sus cuerpos producto de la explotación laboral, los sueños del ser humano, la luminosidad del paisaje y el Imperio del sol. Su talento para crear un arte luminoso y creativo, han hecho de las obras de Van Gogh, uno de los objetos de nuestros días. Su punto de partida fue la naturaleza, especialmente el paisajismo del mediodía de Francia, en Arlés que era su patria espiritual. Van Gogh pinta con pinceladas irregulares, líneas ROMánticas entrecortadas, que manifiestan la impaciencia que le producía su exaltación interna. Los colores puros iban depositando su huella sobre el lienzo, trabajados con la mano, con la espátula, con el mango del pincel, o en muchos casos, exprimidos directamente de los tubos. En su deseo de mantener la visión provocada por la primera impresión, partíó de la impresión cromática. Pinto con colores puros, con el rojo, azul y amarillo, especialmente con amarillo real; colores que él sabia dotar de mayor profundidad, de mayor fuego que en la realidad, colores que es su fantasía ardían de un modo excesivamente pasional.

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