Lorca y Pedro salinas

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La Generación del 27

En este período, considerado como la Edad de Plata de la literatura española (1902-1939), surgíó un grupo de jóvenes poetas vinculados a las vanguardias artísticas que, junto a otros intelectuales, participaron en el homenaje a Góngora celebrado en el Ateneo de Sevilla, en 1927. La Generación del 27, está integrada por: 
Federico García Lorca, Rafael
AlbertiPedro
Salinas, Vicente
Aleixandre, y más. Además de Ernestina de Champourcín, Concha Méndez y Josefina de la Torre, entre otras poetas.  3 etapas:

Hasta 1928

La poesía pura.
Influencia de Bécquer;
Las primeras vanguardias:
Ultraísmo, creacionismo… Influencia de Juan Ramón Jiménez:

búsqueda de la belleza absoluta deshumanizada. Esto les acerca a Góngora.

Hasta 1936


Poesía humanizada

Jorge Guillén y Pedro Salinas continúan con la poesía pura;
Los demás buscan una poesía humana y apasionada.
Toman elementos del Surrealismo.
Libros y poetas más significativos:

Luis Cernuda


Los placeres prohibidos

;

Rafael Alberti

Sobre los ángeles


;

F. G. Lorca

Poeta en Nueva York


. En 1935 influirá Pablo Neruda con su revista Caballo Verde para la poesía.

Después de la Guerra Civil


Exilio y dispersión de muchos


Miguel Hernández (1910-1942), el epígono de esta generación por su vinculación a la estética neogongorina y surrealista, murió en la cárcel. En el exilio, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre, E
. Champourcin y J. De la Torre.
Los temas de sus poesías giraron en torno a la nostalgia de España, de los amigos muertos, el desarraigo.
Las principales carácterísticas de la Generación del 27 son: Conocen la literatura y admiran a los clásicos.
Algunos de ellos son profesores de Literatura: Dámaso Alonso, Jorge Guillén, Pedro Salinas, Gerardo Diego, Luis Cernuda. Suponen una síntesis entre tradición (literatura tradicional, tanto culta como popular) y renovación o vanguardia. De las vanguardias artísticas toman lo novedoso, lo original y provocador, el juego de ingenio y la ruptura humorística.
Equilibrio entre lo intelectual y lo sentimental, lo culto y lo popular. Papel central de la metáfora y la imagen:
Lenguaje muy elaborado que llevará a algunos poetas hacia el Surrealismo: Lorca, Alberti, Aleixandre.

Ideología

Visión pesimista de la vida; están en contra de la represión ejercida por una sociedad alienante porque está construida por la razón que es dogmática y antivital. Defienden la vida, lo instintivo, espontáneo y natural. Les interesa lo nuevo, lo diferente, lo raro, lo inocente.
Se hace patente la influencia de Freud y la noción del inconsciente. 


Los principales autores y obras más relevantes, en el ámbito de la poesía son:

Rafael Alberti


En su poesía hay variedad de temas, tonos y estilos. Podemos destacar, de su poesía neopopularista, sus primeros libros, Marinero en tierra (1924). De su etapa neogongorina y vanguardista: 
Cal y canto
 (1929). Poesía surrealista: 
Sobre los ángeles
 (1929). De su obra dramática podemos señalar El adefesio (1944).

Vicente Aleixandre

Fue miembro de la R.A.E. Y obtuvo en 1977 el Premio Nobel de Literatura. Atendiendo a su visión del mundo, su obra se estructura en tres etapas. 

Poesía pura


Espadas como labios
 (1930-1931) y Sombra del paraíso (1939-1943). 

Poesía surrealista


Historia del corazón
, escrito entre 1945 y 1953. 

Poesía antropocéntrica


Poemas de la consumación
(1968). 

Dámaso Alonso

En él se aúna su labor crítico-docente con la investigadora y la creación poética. De esta última destacamos su libro Hijos de la ira (1944).

Manuel Altolaguirre

Su poesía está dotada de un gran intimismo. Destacamos Las islas invitadas(1926) y Poemas de América (1955).

Luis Cernuda

Reuníó sus diversos libros bajo el título de La realidad y el deseo
.

Gerardo Diego

Su obra poética sigue dos líneas simultáneas, la tradicional (Manual de espumas)
y la vanguardista (Fábula de Equis y Zeda
).

Jorge Guillén

Es, posiblemente, el máximo representante de la poesía pura, recogida en estos títulos que cada uno representa un ciclo poético: 

Cántico y Clamor, son la cara y la cruz de la realidad

.

Federico García Lorca

Su obra poética siguió una evolución desde la sencillez de sus primeros poemas, pasando por la fuerza del Romancero gitano (1928) y llegando a la poesía vanguardista de Poeta en Nueva York (1940). Representa también una de las cimas del teatro español y universal. Su temática giró en torno al destino trágico y la frustración.

Emilio Prados


Su poesía abarcó tanto el neopopularismo andaluz como el Surrealismo. Destacamos los títulos Canción del farero (1926) y Memoria del olvido (1940).

Pedro Salinas

Considerado el poeta del amor por excelencia, escribíó la trilogía amorosa formada por La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936) y Largo lamento (1939).


El teatro anterior a Guerra Civil

A finales del Siglo XIX las obras más representadas eran las llamadas de "alta comedia" de Echegaray y sus seguidores. Melodramas que buscaban la emoción del espectador mediante los abundantes golpes de efecto y la truculencia de las escenas. Los gustos del público, poco depurados, y el escaso interés de los empresarios teatrales, impedían cualquier intento renovador del panorama teatral. Pervivieron en el primer tercio de siglo: 
La comedia burguesa (alta comedia y drama rural)
El sainete de ambiente madrileño o andaluz que evoluciona hacia otras formas como la tragedia grotesca o el astracán.

El espíritu modernista finisecular desdeñó el teatro realista y cultivó un teatro poético y simbólico que presentaba una visión idealizada de la historia y utilizaba el verso como vehículo principal del lenguaje dramático. Los intentos renovadores más serios vinieron de los hombres del 98 (Unamuno, Azorín y Valle
Inclán en principio y en los años treinta de los poetas de la Generación del 27, de García Lorca.
Pocas obras pudieron ser representadas. Los diferentes grupos y tendencias del teatro español anterior al 36 pueden agruparse en los siguientes apartados: El teatro comercial La comedia burguesa de Benavente.
Don Jacinto
Benavente propuso un teatro sin grandilocuencia, sin excesos, con atención preferente a los ambientes cotidianos. Su obra supone una crítica amable de los ideales burgueses. Así sucede en sus obras Lo cursi, Rosas de Otoño y Los intereses creados
. Otras veces intenta el "drama rural" (Señora Ama, La Malquerida
) Benavente se ganó el favor del público y una popularidad enorme a nivel nacional y en 1922 se le concede el Premio Nobel. 

El teatro en verso

Supone ante todo la presencia en los escenarios del arte verbal modernista. De los cultivadores de esta línea merecen citarse: 
Francisco Villaespesa (1877-1936)
Doña María de Padilla
, Abén Humeya y La leona de Castilla.

Eduardo Marquina (1879-1946):
Las hijas del Cid
, En Flandes se ha puesto el sol
. Los hermanos Manuel y Antonio Machado en obras escritas en colaboración como Julianillo Valcárcel, Juan de Mañara, Las adelfas o La Lola se va a los puertos

El teatro cómico

Los tipos y ambientes castizos que habían sido la materia de los cuadros costumbristas del Romanticismo vuelven ahora a la escena de la mano de autores como: Los hermanos Álvarez
Quintero presentan en sus obras la imagen de una Andalucía superficial, tópica e incluso falseada.


Luces de Bohemia Primera obra "esperpento". Prota, Max Estrella-> Tragedia es género demasiado noble para describir realidad española, que es una deformación grotesca de la civilización europea. Y por ello el sentido trágico de la vida española sólo puede sarse con una estética sistemáticamente deformada, y de aquí surge el esperpento. El tema y origen de la obran: Publica en 1924. Se cuenta la última noche con vida de Max Estrella, poeta miserable y ciego. Luces de Bohemia es la parábola trágica y grotesca de la imposibilidad de vivir en una España -> deforme, injusta, opresiva, absurda. Ni la pureza ni la honestidad encuentran el acomodo. En la obra, Max desciende a los infiernos de la injusticia, la ignomimia y las miserias de toda índole y es por ello que no se sabe si el alcohol y el frío fueron los responsables de su muerte, o si lo fue el dolor del deprimente espectáculo que le rodea. En cuanto a la estructura, se divide en 15 escenas que responden a una meditada forma. La primera escena es como el preludio, el cuerpo central iría de la segunda a la onceaba escena. La escena 12 sería el final, que con la teoría del esperpento da sentido a las escenas anteriores y las escenas 12-15 son como un epílogo. Los personajes son más de 50 y son unos peleles. Hay muy pocos que se salven al conservar la dimernsión humana: Max Estrella, el obrero catalán y la madre del niño muerto. Max es muy complejo, tiene humor y queja, ironía y amargura, nobleza y dignidad, comprensión humana y mordacidad, a veces se le ve como un hérore y otras como un ser patético. Don Latino es un fantoche, el "perro" de Max y su contrafigura, ejemplo de deslealtad y encanallamiento. Los demás personajes se dividen en varios grupos: burgueses, defensores del orden, policías, pedantes, personajes populares. Valle Inclán les hace un retrato caricaturesco y mordaz, deformado, paródico, es decir, esperpéntico.La técnica de caracterización de los personajes se basa en su hanla y en su maestría de las acotaciones. La obra encierra una crítica de la realidad española. Valle ofrece una visión de los conflictos de España su tiempo, arremete contra políticos, el mal gobierno y la corrupción. También critica el capitalismo y el conformismo burgués, pero se solidariza con las miserias y el hambre del pueblo, denunciando su ignorancia y degradación moral. Hace una vigorosa protesta contra la represión policial(esccenas 6 y 11). En cuanto al arte y lenguaje del esperpento, deforma y distorsiona la realidad, degrada a los personajes, emplea contrastes (elevado-bajo, artísticp-vulgar) con parodias de citas literarias. Las acotaciones son capaces de dibujar un ambiente o la calidad de un personaje. La obra se llevó a escena en París en 1963, en 1969/70 se estrena en España y dejó clara su teatralidad. Su poder de denuncia es un ejemplo del mejor teatro crítico.

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