A que se le llama Barroco en España

Enviado por Yess y clasificado en Arte y Humanidades

Escrito el en español con un tamaño de 19,17 KB

 

ARTE Barroco (ESPAÑA)


España se transforma en la monarquía que más se centra en la Contrarreforma, hay un gran poder económico derivado del control de sus colonias en América.

Destacan acontecimientos como la Paz de Westfalia (1648) o el tratado de Utrecht (1713).

Se da en el S.XVII el ‘Siglo de Oro’ siendo principalmente literario; el arte es utilizado como herramienta de argumento de comunicación y persuasión del poder católico (tanto civil como religioso)

ARQUITECTURA


Podemos destacar tres etapas diferentes:

 ·
1ª etapa (mediados del Siglo XVII): los inicios.

La influencia de Herrera (El Escorial) y la transición a los nuevos planteamientos arquitectónicos procedentes de Italia.

Ayuntamiento de Madrid. Juan Gómez de la Mora:


Se mantienen los esquemas fundamentales del edificio en lo constructivo derivados de las formas herrerianas, sobre los que se diseñan todo tipo de fantasías ornamentales.

Ministerio de Asuntos Exteriores (Madrid). Alonso Carbonell:


No hay grandes atrevimientos en la modificación de las plantas de los edificios, por lo que los espacios internos no se dislocan en exceso, manteniendo una unidad relativamente clásica (Planta de cajón). Los materiales que se emplean se caracterizan por su pobreza (el ladrillo), reservándose la piedra y el mármol para enmarcar puertas y ventanas.

Plaza Mayor de Madrid. Juan Gómez de la Mora:


Plaza porticada de planta rectangular que está completamente cerrada por edificios de viviendas de tres plantas, con balcones que dan a la plaza. Dispone de nueve puertas de acceso, de las cuales la más conocida es la del Arco de Cuchilleros, en la esquina suroeste de la plaza. Su uso ha sido muy variado. Las construcciones se articulan en tres pisos, sobre un  cuerpo porticado de arcos de medio punto, combinados con dintel. Es un conjunto de gran sobriedad decorativa donde las torres están rematadas por chapiteles, como en El Escorial. En el centro una estatua ecuestre del rey Felipe III.

La clerecía de Salamanca. Juan Gómez de la Mora


·2ª etapa (último tercio del s. XVII y 1er. Tercio del s. XVIII): La plenitud.

Desarrollo de un lenguaje decorativista; la arquitectura se hace más dinámica.

Retablo del convento de San Esteban. José Benito Churriguera:


En el primer cuerpo hay seis grandes columnas salomónicas recubiertas de decoración vegetal, en cuyo centro se haya el tabernáculo concebido como un templete, flanqueado por un par de columnas a cada lado; entre éstas y la dos de los extremos se encuentran dos hornacinas que dan cobijo a las esculturas deSanto Domingo de Guzmán y San Francisco de Asís. El segundo cuerpo tiene como centro y remate una pintura de Claudio Coello cuyo tema el martirio de San Esteban. Todo está dorado y recubierto de abundante decoración. La hornacina central se ve envuelta por una dinámica y compleja decoración llena de fantasía. La contraposición de líneas curvas y rectas acentúa el dinamismo. El frontón curvo partido y la concepción de la fachada como un retablo.

Fachada de la Catedral de Granada. Alonso Cano:


La fachada principal la concibió como un monumental arco de triunfo con tres calles retranqueadas entre pilastras cajeadas, lo que proporciona al conjunto intensos contrastes luminosos que acentúan la fuerza del diseño. Molduras y pilastras dotan a la construcción de un intenso ritmo lineal, acentuado por los contrastes luminosos y por el marcado entablamento que le recorre a la mitad de su altura.

Torre del Reloj (Catedral de Santiago de Compostela). Domingo de Andrade:


Plaza Mayor de Salamanca. Churriguera:


La planta es cuadrada, consta de 88 pórticos formados por arcos de medio punto que descansan sobre fuertes pilares, llevando en las enjutas medallones con bustos de reyes, grandes capitanes y hombres de letras. Sobre estas arcadas se elevan tres pisos de balcones, con una rica ornamentación. En el lado más importante está el Ayuntamiento. Presenta un monumental pórtico con cinco grandes arcadas. La fachada está ornamentada con frontones curvos, recuadros y placas. Coronando el edificio se encuentra la espadaña que soporta las campanas del reloj, y a los lados las estatuas de la Agricultura, la Industria, la Música y la Poesía.


·3ª etapa (resto del s. XVIII): Continuidad y cambio. El Rococó.

La Arquitectura Palaciega (desarrollo del arte cortesano) presenta claras influencias francesas e italianas, por el cambio de dinastía reinante en España (Borbónica).

Fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela. Fernando de Casas y Novoa:


Anticipa a la fachada una teatral escalinata. Dos torres flanquean el conjunto: la de las Campanas y la de la Carraca. Todo en ella conduce la mirada hasta la imagen del apóstol Santiago que corona el cuerpo central.

Transparente de la catedral de Toledo. Narciso Tomé:


El conjunto consta de una serie de elementos arquitectónicos y esculturas marmóreas agitados por un convulso movimiento y que recibe la luz por un orificio abierto en la techumbre del templo.

El objetivo es la filtración de la luz a través del muro de la girola para la contemplación a la vez del Santísimo Sacramento desde este plano del reverso del Altar Mayor.

La "Gloria" es donde se coloca la hostia consagrada, y el Transparente es una "puerta al cielo" detrás de la cual se encuentra el trono de Dios.

Fachada barroca de la catedral de Valencia. Conrad Rudolf


Palacio del Marqués de Dos Aguas, Valencia. Ignacio Vergara

Catedral de Murcia,


Jaime Bort:


obra a modo de retablo de piedra, juega con salientes y entrantes que intensifiquen el contrate entre claros y sombras y las sinuosas curvas de los trazos arquitectónicos y escultóricos buscan sensación de animación, movilidad y de cierta angustia vital.

Basílica de Santa María (Elche):


destaca exteriormente por su contención ornamental, a excepción de las portadas. Sobre el fondo celeste se recorta el perfil de su cúpula semiesférica y el volumen de la torre-campanario.La portada, que representa en la hornacina central la asunción y la coronación de la Virgen.

Palacio de San Telmo, Sevilla. Leonardo de Figueroa:


Se compone teniendo un contraste del edificio con la portada disminuyendo la exuberancia decorativa a medida que sube en altura la portada. En la parte superior hay efectos de claroscuros y nos encontramos un remate mixtilíneo.

Palacio Real de Madrid. Filippo Juvara:


ESCULTURA

Es exclusivamente imaginería con temática exclusivamente religiosa además de escultura exenta se hacen retablos, sillería de coros y los pasos procesionales de Semana Santa.

Carácterísticas:


Se va abandonando progresivamente la técnica del estofado.Hay mayor Realismo con el cual se recurre a postizos

Podemos encontrar tres grandes focos artísticos:

-> Andaluza

Juan Martínez Montañés.Cristo de la Clemencia. Nazareno (vestimenta real).

Inmaculada,San Jerónimo.Juan de Mesa.Pedro de Mena.Alonso Cano


-> CASTELLANAGregorio Fernández.Cristo yacente- Ecce Homo.Cristo Atado a la Columna.Santo Cristo de la Cruz.La piedad

-> Francisco SALZILLO.La oración en el huerto.La caída.El prendimiento. Virgen de las Angustias


-> OTROS ARTISTAS.Ecuestres italianos en Madrid.Juan de Bolonia.Escultura de Felipe III, Plaza Mayor de Madrid..Pietro TaccaFelipe IV, en la Plaza de Oriente de Madrid

PINTURA


Hay mecenazgo de la Corte y la Iglesia, con una ausencia de lo heroico prefiriéndose un equilibrado Naturalismo optándose así con una composición sencilla. Hay predominio de temática religiosa tratada con sencillez y credibilidad, teniendo una ausencia de sensualidad y con gran influencia del Realismo y tenebrismo de origen italiano. También cabe destacar el retrato, la mitología y el bodegón.

Los tres focos artísticos más importantes serán Valencia, Sevilla y Madrid


Rivera


Es el inductor del Naturalismo de Caravaggio en España y el mejor exponente de la corriente tenebrista española.El Naturalismo temático de Ribera se centra en la pintura de personajes ancianos, mendigos, santos, pero siempre pintados con una gran dignidad, sin exacerbar el sentido cruel o morboso, demostrando un perfecto dominio de lo anatómico. Tendrá un afán constante de representar la ruina del cutis humano.

San Andrés. San Onofre. Inmaculada Concepción

Gran colorido, devocionales, ‘en asunción’.
Martirio de San Andrés.Martirio de San Bartolomé.
Mujer Barbuda.El Patizambo.

Apolo y Marsyas


Zurbarán


Su obra es muy abundante, y se puede distinguir un primer periodo en que hay una presencia del tenebrismo y del espiritualismo ascético pasando en un segundo periodo a partir de la mitad de siglo  a las formas suaves y delicadas propias de la escuela sevillana de ese periodo.

Las obras más conocidas de Zurbarán son los santos de las Órdenes Religiosas: tratados con gran respeto y dignidad, sumidos en una profunda introspección mística que los presenta aislados y  ajenos al mundo, habitando dentro de una atmósfera mística.

Meditación de San Francisco


En cuanto a las obras conventuales, se pueden destacar tres conjuntos:

1. La serie  del Convento de la Merced (desde 1628), en el que sobresale la Visión de San Pedro Nolasco (1629) en la puede apreciarse ese tratamiento individualizado y el  tan carácterístico modelado de los tejidos.2. La serie de la Cartuja de Jerez (desde1637)

San Hugo de Grenoble en el refectorio de la Cartuja

3. La serie el Monasterio de Guadalupe (1638-1645).

Pinturas de Santas y Mártires -> Con abundantes pliegues en ropajes del Siglo XVII, armónía cromática, figuras de cuerpos enteros y fondos neutros.

Santa Margarita.Santa Casilda

Exposición de objetos inanimados -> que le sirve al pintor para demostrar su destreza en la representación de calidades, texturas, brillos y juegos de luces. Los objetos se destacan sobre un fondo negro para así dar mayor realce a sus volúMenes.
Naturaleza muerta.

Naturaleza muerta con limones, naranjas y rosa


Murillo


Es uno de los pintores que más popularidad han alcanzado dentro y fuera de España; debido a que su pintura delicada y suave satisface el gusto imperante en toda Europa en el S. XVIII. Su pintura se acerca más a lo familiar, a lo íntimo.En sus primeras obras queda de manifiestos su formación realista, con predominio de tonalidades ocre y terrosa, un tratamiento de la luz muy marcado por el tenebrismo, con modelos compactos e individualizados

. La adoración de los pastores.La sagrada familia del pajarito. La huida a Egipto.La anunciación

Murillo se va a interesar por los problemas atmosféricos y la captación del espacio, tendrá cuadros suavemente dinámicos.

Cristo como buen pastor. Jesús con San Juan Bautista

Refleja en sus pinturas una  religiosidad intimista, amable y sentimental.

La asunción de la Virgen. La inmaculada Concepción

Teniendo el blanco como símbolo de la pureza y el azul de la eternidad.

Retratos de niños -> de carácter totalmente profano, presenta  una interpretación amable de realidades más bien crueles,  plasmando la vitalidad del mundo picaresco.Tiene la captación de un momento que permite adivinar el antes y el después.

Joven pordiosero. Niños jugando a los dados.Niños comiendo fruta

Juan de Valdés

Las alegorías de las postrimerías -> In ictu oculi .Finís gloriae mundi

Velazquez


Podemos destacar dos etapas

ETAPA DE Formación-
> Se pueden apreciar principios manieristas y academicistas además del tenebrismo. Este caracterizado por el tratamiento naturalista, tenebrismo, con fuertes contrastes de luces y sombras, predominio de los colores terrosos, sencillez en la composición, los temas preferidos son:

Bodegones con figuras:

El aguador de Sevilla (1620).Vieja friendo huevos (1618)

Retratos:

Retrato de Sor Francisca Jerónima de la Fuente (1620)

Escenas religiosas:

Cristo en casa de Marta y María, la Adoración de los Magos (1619)

ETAPA DE MADUREZ-
> que este periodo puede subdividirse a su vez, en tres, coincidiendo los hitos con sus viajes a Italia.

1623-1631: Primera etapa madrileña y primer viaje a Italia


Velázquez viaja a la Corte, logrando su propósito de establecerse en ella; hay un abandono de la temática religiosa y de los bodegones, para concentrase en el género retratista.Suelen ser retratos, con sencillez en la composición, Realismo, escasa preocupación por los fondos, elegancia que emanan los personajes y estatismo; son retratos de cuerpo entero, en busto, de tres cuartos.

Felipe IV. Infante Don Carlos

Retrato de hombre joven (retratos de diversos bufones)

El encuentro con Rubens, que visita Madrid (1628

Le orientó hacia el humanismo y la mitología, además de animarlo a continuar su formación en Italia, antes pintó `Los Borrachos´ o `el Triunfo de Baco´, en él muestra al Baco mitológico entre campesinos andaluces, señalando la principal carácterística de su pintura mitológica, la concepción burlesca e irónica de la misma.

El triunfo de Baco

Desde 1629 a 1631 realiza el primer viaje a Italia, donde conocerá la obra de los pintores renacentistas romanos y venecianos (Tiziano), visitando además Ferrara y Nápoles, donde contactó con el pintor español Rivera; durante este viaje realizó “La Fragua de Vulcano”, de género mitológico  y “La Túnica de José”, en todos ellos se advierte la influencia de los pintores italianos.

La fragua de Vulcano. La túnica de José

1631-1648: Segunda etapa madrileña


En este periodo se produce su auge, la influencia italiana hace que su dibujo se haga más suelto, sus figuras pierden rigidez, el espacio se llena de aire, anunciando la perspectiva aérea y se colorea de grises, ocres y verdes suaves y armónicos. La producción pictórica en esta etapa es muy abundante. De este periodo son los cuadros religiosos:

Cristo crucificado del Prado, la Coronación de la Virgen y los Eremitas, Cristo atado a la columna

La reina Isabel de Borbón a caballo, Retrato ecuestre de Felipe IV, Príncipe Baltasar Carlos a caballo

Además podemos encontrar diversos retratos de la monarquía, retratos de bufones y retratos imaginarios de filósofos.

El conde duque de Olivares a caballo


La rendición de Breda (Las lanzas)


Felipe IV de cacería. Cardenal Infante Fernando de Austria de cacería

1648-1660: Segundo viaje a Italia y Tercera etapa madrileña


Velázquez realizó un segundo viaje a Italia, entre 1649 y 1651, con el encargo real de adquirir cuadros y antigüedades para las galerías reales hispanas, en este realiza dos retratos y los dos cuadros del Jardín de Villa Medicis, considerados precedente de la pintura de Corot y el impresionismo, también realizó en el viaje la Venus del Espejo, uno de los pocos desnudos de la historia de la pintura española.  En este período, perfecciona la técnica, consiguiendo plasmar la perspectiva aérea, su pincelada suelta emplea cada vez menos cantidad de pasta pictórica, cuida la ambientación y los detalles.

Retrato de Inocencio X .Juan de Pareja

L pabellón Ariadna en el jardín Médici en Roma, Entrada a la gruta de los jardines de la Villa Médici en Roma


Venus del espejo


La última etapa madrileña y la culminación de Velázquez:


Velázquez vuelve a la Corte y a Madrid en 1651, después de una estancia de casi tres años en Italia. En esta supone la culminación estilística del maestro sevillano.    Son de este período los retratos de la Infanta Margarita y el de la Reina Mariana de Austria.  En dos obras se puede resumir la aportación de Velázquez a la historia de la pintura: Las Meninas (1656), y las Hilanderas (1657).

Infanta Margarita Teresa. La reina Doña Mariana de Austria

Las Meninas, evoca la vida cotidiana de la familia real, que aparece alrededor de la Infanta Margarita, de sus damas de honor portuguesas, las meninas, y de los criados enanos,  en el salón en que Velázquez (que se autorretrata en la penumbra)  se encuentra pintando a los reyes (reflejados en el espejo); al fondo, en la puerta abierta, el aposentador observa la escena.

El pintor obtiene la sensación de profundidad mediante la alternancia de espacios iluminados con diferente intensidad.

El espectador queda atrapado en este ‘instante’ casi fotográfico que el pintor captura. Al contemplar la obra nos hallamos, a pesar de estar fuera del cuadro, dentro del mismo, en el espacio donde se hallan los monarcas. El espacio abarca, de este modo, tanto lo que hay dentro del cuadro como lo que hay fuera.

Las Hilanderas, sitúa el mito de Aracne, la habilidosa tejedora perseguida por Atenea en el taller de tapices de Santa Bárbara, el mito va tejíéndose en las formas de un tapiz al fondo, mientras en un primer plano las obreras trabajan, lo real y lo mítico se funden en tonos amortiguados y templados que tienen toda su delicadeza en el tapiz, donde se desarrolla la escena principal  con los protagonistas rodeados de una intensa luz.

La rueca, en constante movimiento, se convierte en el elemento que mejor ejemplifica la instantaneidad del momento; esa rueca al girar, genera un vacío que lo absorbe todo, la realidad y el mito.

La estancia iluminada por la luz que penetra, se llena de aire. Velázquez logra pintar la atmósfera, el aire que envuelve a las figuras. La pincelada suelta, de apariencia inacabada, las manchas de color que sugieren detalles o formas; todo en esta obra se aproxima a un lenguaje nuevo que todavía está por nacer, el impresionismo.

Entradas relacionadas: