Hierbas Barroco

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EL AGUADOR DE Sevilla


Identificación


Estamos ante una obra pictórica llamada el Aguador de Sevilla realizada por Velazquez en el año 1620,1622, se trata de un óleo sobre Ien y se encuentra en Wellington Museum, London.


CONTEXTO Histórico Velazquez es el pintor más importante Del Barroco europeo. Su pintura resultó muy superior a la de sus contemporáneos en cuanto a técnica, Composición e innovación. Nace en Sevilla e ingresa en la Corte de Felipe IV Donde es nombrado pintor de cámara. Fiel al Naturalismo que aplicará tanto a Las personas reales como a los temas populares o mitológicos. Pero su Naturalismo es amable, elegante, sin estridencias.


Su temática es variada: Pintura mitología, histórica y religiosa, a la que hay que añadir paisaje y Retratos. Su técnica al óleo experimenta una evolución desde una Pincelada fina, peinada,  de potentes volúMenes hacia otra en el que Predomina la mancha de color

Su dominio de la perspectiva Aérea hace que en sus cuadros se reflejen la atmósfera, el aire que Envuelve a sus personajes. Pintaba además sin dibujo previo aplicando el color Directamente sobre el lienzo.Su estilo varía desde las primeras obras Sevillanas inmersas en el tenebrismo  donde predominan los ocres, rojos y Negros hasta su gran dominio de la perspectiva aérea donde vemos como su paleta Ya se ha aclarado y donde los grises y platas son famosos.

Sus composiciones no poseen movimiento Pero las figuras están dispuestas de tal manera que producen tensión y Dinamismo en sus cuadros. No es un simple naturalista que refleja la realidad Sino que la interpreta con gran maestría. Por ejemplo en las Meninas parece que Está reflejando simplemente una escena que presencia, y sin embargo la escena Es el producto de profundos estudios.

Análisis DE LA OBRA


Realizado, al igual que los anteriores lienzos Del periodo sevillano, con una paleta oscura de pigmentos terrosos, no exenta De áreas cromáticas bien diferenciadas9, la composición de esta obra, cifrada En un poderoso claroscuro, es de una sobriedad extrema. Presidiendo el cuadro, El protagonista de la narración, un viejo barbado y de semblante grave, de Solemnidad circunspecta, ofrece una copa de agua a un adolescente; mientras, en Un segundo plano, un personaje joven o adulto sacia su sed. El anciano, que Atiende su pequeño puesto de madera, sobre el que descansa una algarrafa y un Cuenco, agarra con su mano izquierda un gran cántaro. Ciertamente, es este Objeto de cerámica el que centra y ordena espacialmente toda la composición. Aquí el cántaro es un prodigio de volumen y textura, donde podemos apreciar el Agua rezumante y hasta la misma huella del alfarero. Pero, por encima de todo, Velázquez no ignora la dificultad que entraña la correcta plasmación de una Figura esférica en un primer plano de la representación. En este sentido, el Maestro, haciendo gala de su conocimiento teórico de la tratadística Tradicional, parece querer reflejar en la plasmación de este objeto toda una Cita erudita, una cita culta extraída en esta ocasión del mismo L. B. Alberti, Cuando en su tratado De la Pintura refiere lo siguiente: "He visto que Todas las superficies planas tienen un color uniforme en toda su extensión, Mientras que en las esféricas y las cóncavas los colores varían, pues aquí es Más claro, allí más oscuro, y el resto una superficie de color intermedio. Esta Alteración del color en una superficie no plana presenta cierta dificultad a Los pintores ignorantes. Pero si, como hemos explicado, el pintor dibuja Correctamente los contornos de la superficie y discrimina la luz en zonas, Entonces el método de colorear será más fácil. Pues primero modificará esta Superficie con blanco y negro, como le sea oportuno, casi con un ligero roce en La línea de discriminación. Después seguirá añadiendo al lado otra línea, por Así decir, como rociada; después otra al lado de ésta, y otra, de manera que el Lugar más iluminado esté tintado con el color más claro, mientras este mismo Color vaya diluyéndose como el humo en las partes contiguas". Velázquez no Es un pintor "ignorante", ni en el plano teórico, ni en la ejecución Práctica. Y así lo deja bien claro, casi ostensible, en la realización de este Inolvidable utensilio de barro, donde el maestro hace uso de las marcas Concéntricas dejadas por la mano del cantarero para mostrar su exacta Concavidad en un alarde de su dominio del dibujo y la iluminación. Y todo ello, Dotando a estos objetos de una sacralidad casi mística, una figuración Misteriosa que emergen de su propia singularidad, de su fascinante existencia. "Hay en este cuadro tres figuras -decía Ortega-: un cántaro, dos vasijas, Una copa llena de agua. Se trata de un conjunto de retratos. La pintura es Retrato cuando se propones transcribir la individualidad del objeto". Ciertamente aquí la pintura vuelve a ser epifanía de una nueva y recreada Realidad, una realidad individualizada en los confines de su singularidad, en El carisma de su sencillez, en el sosiego de su eternidad.


TRANSVERVERACION SANTA TERESA


Identificación


TÍTULO :  Éxtasis de Santa Teresa.LOCALIZACIÓN :  Iglesia de Santa Mª de la Victoria.AUTOR :  Bernini.CRONOLOGÍA :  1652.ESTILO : 

Barroco

MATERIAL :  mármol


CONTEXTO Histórico


Nace en Italia y se desarrolla desde finales Del Siglo XVI hasta el Siglo XVIII. Es la apelación a lo emocional o dramático Y la oposición a lo intelectual y racional. Es un fenómeno artístico y Literario estrechamente vinculado a la Contrarreforma.


Se manifestó principalmente en La Europa occidental, aunque debido al colonialismo también Se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, Principalmente en Latinoamérica.

La religión es uno de sus rasgos Predominantes, desplazando carácterísticas del Renacimiento. Combina misticismo Y sensualidad.

Naturalismo, es decir, representación De la naturaleza tal y como es, sin idealizarla. Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad Dramática. Esquemas compositivos libres del Geometrismo y la proporción equilibrada propia de la escultura del Renacimiento pleno.  Busca movimiento, se proyecta dinámicamente Hacia afuera con líneas de tensión complejas, especialmente la helicoidal O serpentinata, Y multiplicidad de planos y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta En la inquietud de personajes y escenas, en la amplitud y ampulosidad de Los ropajes, En el contraste de texturas y superficies, a veces en la inclusión de distintos Materiales, todo lo cual que produce fuertes efectos lumínicos y visuales. Representación Del desnudo en su estado puro, como una acción Congelada, conseguido mediante una composición asimétrica, donde predominan las Diagonales y serpentinatas, las poses sesgadas Y oblicuas, el escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que Dirigen la obra hacia el espectador con gran expresividad. A pesar de su Identificación como "arte de la Contrarreforma” Tuvo una gran pluralidad de temas (religiosos, Funerarios, mitológicos, retratos...) incluso en los países católicos. La Manifestación principal es la estatuaria, Utilizada para la ornamentación de espacios interiores y exteriores De los edificios, así como de los espacios abiertos, tanto privados (jardines) como Públicos (plazas). Las fuentes son Un tipo escultórico particularmente adecuado al estilo Barroco.

Bernini: Escultor, arquitecto y pintor Italiano. Bernini es el gran genio del Barroco italiano, el heredero de la Fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco Arquitectónico en Europa.  La perfección De su técnica es extraordinaria consiguiendo que el mármol se convierta en Carne, telas o vegetales. Parte del estudio de la escultura helenística y de Ella toma el movimiento, la acción, el dramatismo y la violencia expresiva que Tan bien cuadran con el temperamento Barroco.

Análisis DE LA OBRA


Es su obra maestra y un modelo de barroquismo Por su carácter escenográfico y por la integración de la obra con el espacio Que la rodea. Se trata de una obra con una concepción espacial abierta.

La capilla está concebida como un Teatro en el que se representa la transverberación de la santa que aparece sobre Una nube suspendida sobre el altar, como si flotara en el aire, ya que sólo se Sujeta por detrás. El efecto lumínico se lo proporciona una ventana oculta, Cuya luz resbala sobre los rayos de bronce que aparecen detrás de la santa y Del ángel, lo que aumenta la sensación de ingravidez.

Como espectadores de lo que allí Acontece, Bernini nos sitúa a la familia Cornaro que asisten a la Transverberación desde unos palcos laterales. Toda la capilla está revestida de Mármoles de colores en tonos marrones, castaños blancos etc.

Bernini alcanza aquí cotas de maestría Difícilmente igualables en el tratamiento del mármol que alcanza calidades Corpóreas de carne blanda y temblorosa. La composición es muy dinámica y se Concibe como el encuentro de dos poderosas diagonales, la luz juega con los Tejidos en cuyos pliegues, quebrados y agitados por el furor místico de la Santa, genera espectaculares efectos lumínicos.

Para expresar el éxtasis místico se Recurre a recursos procedentes del amor físico y así Santa Teresa aparece como Una amante abandonada al placer y el ángel como un cupido clásico con una Sonrisa de marcado carácter erótico.

En definitiva una obra maestra que Supone la culminación del Barroco aunque no dejen de advertirse ecos Clasicistas como en el plegado de la túnica del ángel que recuerda al de la Victoria de Samotracia.

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