Barroco

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BARROCO. Historia y manifestaciones artísticas de la arquitectura, escultura y pintura del
Arte barroco, estilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año 1600 hasta el 1750. Sus características perduraron a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo rococó. Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América.
 
LA COLUMNATA:Bernini recibe el encargo de las obras del papa Alejandro VII en 1656. Toma como eje el centro de la basílica y traza dos brazos rectos que se van cerrando, convergiendo hacia el eje, hasta que se abren en un enorme espacio elíptico, delimitado por una columnata de dos brazos que no llega a cerrarse en el extremo opuesto a la fachada de la basílicaEl resultado es un inmenso espacio abierto compuesto de dos plazas contiguas, la primera trapezoidal y la segunda oval. El plano inclinado de las plazas, especialmente la primera, con amplias escalinatas y rellanos, no hace sino facilitar la visión de la gran cúpula de Miguel Ángel.  Miguel Ángel, que retomó la idea de Bramante de planta en cruz griega. La gran cúpula se encuentra justo sobre el altar mayor y la tumba del Apóstol Pedro. Concebida por Miguel Ángel, fue terminada 24 años después de su muerte según el diseño definitivo
Los brazos rectos que componen la plaza trapezoidal tiene menor altura que la basílica, con lo que se logra acentuar la altura de ésta.
En el centro de la plaza oval se colocó un obelisco egipcio procedente de la spina del circo de Nerón, que dificulta la visión frontal de la fachada basilical, en un juego muy propio del barroco como es el obligar al espectador a buscar distintos puntos de vista

DAVID DE BERNINI:El David es una estatua realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol.Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico

SAN LONGINO:Esta obra fue iniciada en 1629 y finalizada en 1638, tratándose de una figura colosal de más de tres metros.
En ella se puede percibir por primera vez la plenitud del estilo barroco, tratándose de una obra extrovertida, vehemente y conmovedora, buscando mover a la devoción. Así se formula según Los principios del Concilio de Trento de verosimilitud, pudor y emotividad.
Longino se nos muestra consternado al descubrir que Jesús era realmente el Hijo de Dios. La Figura abre sus brazos violentamente, creando un eje que es cerrado por la lanza y que conforma así un diagrama de fuerzas trapezoidal. El rostro es de una gran expresividad y los pliegues de las ropas se encuentran arremolinados de manera arbitraria, como arrebatadas por el soplo divino, ocultando la anatomía de la figura y creando un juego de claroscuro.

EXTASIS:Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que la santa cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro, que representa el amor divino. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras:
Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo

CARAVAGGIO:PINTURA--

-Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.
-Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.
-Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
-Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.
-La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muertaPINTURA:Características generales:-Temática:  religiosa. el bodegón y el retrato. carencia casi absoluta de pintura profana y mitológica . -Estilo: frente a lo heroico y triunfal predomina una cierta intimidad y una humanidad poco Teatral. Ausencia de sensualidad.-Ausencia de rasgos, que fueron habituales y definidores, especialmente en Italia, durante el Renacimiento: lo heroico, los tamaños superiores al natural, las glorias corales de los fresquistas italianos. Predomina una cierta intimidad y un sabor de humanidad poco o nada teatral. En resumen, se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia que no se ablanda en España.-Tenebrismo, que expresa muy bien esos valores, por lo que se comprende mejor su éxito entre nosotros y no es posible reducirlo a un recurso o técnica meramente importada de Italia.-División de los pintores barrocos en función de la ubicación geográfica de sus centros de trabajo, y así se habla de la escuela valenciana o sevillana o madrileña.

3.1-Escuela Italiana

La pintura barroca alcanzó pronto un gran desarrollo en Italia. El iniciador de esta técnica fue Miguel Ángel Caravaggio, que trabajó esencialmente en Roma.
Fue él quien introdujo el interés por los j uegos de contraste entre los fondos oscuros y los focos de luz (tenebrismo).
Sus obras, excesivamente realistas, tuvieron en ocasiones muy mala acogida entre el público.
Entre numerosos pintores italianos del Barroco podemos mencionar también a Andrea del Pozzo, autor del gran fresco Triunfo de San Ignacio, en la iglesia de este santo en Roma.

3.2.-Pintura Flamenca

Se desarrolla en Flandes una escuela más aristocrática, ligada a la Europa católica, que tuvo en Rubens a su principal representante
Influido tanto por los renacentistas italianos como por el uso de la luz de Caravaggio, Rubens pintó toda clase de temas: religiosos, mitológicos, o escenas populares y retratos. Sus discípulos más importantes fueron Van Dyck y Jordaens.

3.3.-Pintura Holandesa

En Holanda, se desarrolla una escuela naturalista profundamente preocupada por el tratamiento de la luz. La ausencia de imágenes en sus iglesias y el menor peso de la jerarquía eclesiástica y la nobleza dan lugar a nuevos temas: retratos de la burguesía, paisajes, interiores, escenas domésticas y costumbristas.
La gran figura de la escuela holandesa fue Rembrandt, excelente retratista y maest5ro de la luz y el color. Destacó, sobre todo, por los retratos colectivos. Vemeer destacó por sus interiores sutilmente iluminados y por el detalle de las figuras humanas y los objetos y Franz Hals, por sus retratos de grupo.

HILANDERAS Y MENINAS: 1656 , obra maestra de Velázquez. El cuadro se presenta a primera vista como si se tratara de una escena casual: Velázquez está pintando un enorme lienzo en uno de los salones de palacio, y allí irrumpe la Infanta Margarita, acompañada por sus dos Meninas (damas de compañía), por dos enanos, un perro y otros dos personajes. Al fondo se abre una puerta por la que José Nieto, un funcionario palaciego, contempla la escena.
Esa verdad inmediata de lo que se ve, sin embargo, esconde una profunda cadena de enigmas, el primero de los cuales es la indeferenciación absoluta entre el espacio del cuadro y del espectador, introduciendo a éste de lleno en el espacio de la ilusión.
El cuadro entero es un prodigio pictórico en el que desde cada detalle, en los que Velázquez se complace creando maravillosos efectos de color, hasta la captación de la luz ambiente y la concepción compositiva global, pasando por todos los enigmas intelectuales que suscita, lo convierten en una de las obras maestras mas grandes de todos los tiempos.

LAS HILANDERAS o "LA FABULA DE ARACNE"

Diego Velázquez (1599-1660)
un tema mitológico.
Uno de los problemas que dificultaba la identificación del asunto que el pintor representa en esta obra radicaba en el hecho de que no perteneció a las colecciones reales, y no se tenía noticia documental alguna sobre la misma.Si bien la identificación de esta fábula con el tema del cuadro que nos ocupa ha sido admitida por la totalidad de los historiadores del arte, hay quienes van aún más lejos buscando en él significados ocultos y simbólicos.
La "Fábula de Aracne", recogida de "Las Metamorfosis" de Ovidio", narra la contienda entre Minerva, diosa de las artes y de la guerra, y la orgullosa Aracne, famosa tejedora de la ciudad de Lidia, acerca de quién haría un tapiz mejor. La osadía de la joven no tuvo límites al representar en su obra una de las aventuras amorosas del padre de la diosa, Júpiter, por lo que ésta la convirtió en araña.
Se pueden apreciar detalles finos que nos muestran la gran soltura con la que ya contaba , como podemos apreciar en el movimiento de la rueca, hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas. La pincelada no puede ser más suelta, utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz. La luz viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad
El lienzo pudo resultar dañado en el incendio del Alcázar, en 1734, por lo que sufrió unas adiciones. Hay detalles que se pueden apreciar como el "arrepentimiento" visible en la cabeza de la muchacha de perfil de la derecha.

VENUS DEL ESPEJO:Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama. coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto.técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.


 

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