Autores y obras del Barroco

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MANIERISMO: Se inició a partir de 1520 con las últimas obras de Rafael y Miguel Ángel. Los manieristas buscan las formas rebuscadas, caprochosas y a veces artificiales. Pretenden ser originales, llegando a veces a la
excentricidad. Son obras que rompen las reglas del arte clásico. | Carácterísticas | - La figura humana sigue siendo la base del arte; el retrato y el desnudo son los protagonistas. | - En escultura buscan deliberadamente el desequilibrio, el movimiento curvo y ondulante (línea sepentinada) muy exagerado. Las figuras se apoyan en las puntas de los pies {equilibrio inestable) parece que bailan. | Acompañan sus figuras con motivos ornamentales, especialmente animales. Autores: Cellini(Perseo); Giambologna(Mercurio, Rapto de las Sabinas ). | -En arquitectura, rechazan los elementos clásicos y prefieren usar libremente los elementos arquitectónicos, complacíéndose en la trasgresión intencionada de las reglas clásicas; desaparece la armonía y el orden. Se acentúa la tendencia hacia lo decorativo y a utilizar las formas derivadas de la naturaleza. | - La pintura, solo es un elemento decorativo, las tonalidades son frías y no se corresponden con los objetos representados. Prefieren el agobio espacial a la amplitud de los escenarios del clasicismo. Aparecen temas raros, no siempre agradables. Los desnudos son explícitos y eróticos; Autores: Bronzino (Venus abrazada por Cupido); Parmigianino (Madonna del cuello largo). 

EL Renacimiento EN ESPAÑA: ARQUITECTURA: se distinguen tres periodos en la evolución de la arquitectura española del Renacimiento: A)Plateresco o Primer Renacimiento (1500-1530). B)Romanista (1530-1560)  C)Purista o Herreriano
EL PLATERESCO: El término Plateresco fue empleado por primera vez en 1677 por el autor sevillano Ortiz de Zúñiga, al calificar la decoración de un edificio de "fantasía plateresca", porque le recordaba el trabajo de los plateros.
El. Plateresco se define como un estilo ornamental, de una gran riqueza decorativa que se concentra en todo el edificio ocultando las supetficies.  | Carácterísticas:  • Fachadas-retablo, imita en su composición los retablos de las catedrales • Empleo el gruteresco: decoración en bajorrelieve con temas de animales, de vegetales o antropomorfos •Los paramentos suelen ser de almohadillados. • Edificios importantes serán los PALACIOS, que constan de una fachada monumental y torres en los extremos. | FOCOS: Salamanca: es el principal foco del Plateresco por factores como la existencia de la Universidad que propaga algunas ideas humanistas. Edificios: Fachada de la Universidad (autor anónimo). Fachada de las Escuelas Menores (anónima). Casa de las Conchas (anónima). Iglesia de S. Esteban (Juan de Álava). Catedral nueva (Juan de Álava y Rodrigo Gil de Hontañón).


ROMANISMO: Supone un cambio con respecto al estilo anterior. Los arquitectos se inclinan por una arquitectura más severa y más acorde con la cultura y el arte del Renacimiento italianos, desaparece parte del exceso
ornamental y se emplean con más acierto y propiedad los elementos clásicos. La decoración pasa a un segundo plano, ocupa un lugar concreto en la fachada y no invade ya todo el espacio. Intresan,sobre todo, los
problemas puramente arquitectónicos, proporciones; simetría, elementos estructurales. | Gracias a todo lo dicho anteriormente, la arquitectura española de este momento adquiere una gran perfección técnica.
El arquitecto que introduce todas estas novedades será Diego de Siloé, autor de la Catedral de Granada, para la que diseña una planta revolucionaria: una rotonda con deambulatorio en la cabecera. También son muy
novedosos los pilares. | Otras obras del mismo estilo: | - Palado de Monterrey en Salamanea (Rodrigo Gil de Hontañón). | - Universidad de AIcalá de Henares (Rodrigo Gil de Hontañón).
PURISMO: Consiste en aplicar la preceptiva clásica, despojándola de adornos. Dos monumentos vinculados a la casa de Austria representan este estilo: el Palacio de Carlos V, en Granada, y el Monasterio de San Lorenzo
el Real, en El Escorial. | PALACIO DE Carlos V: . Se inspiran en las obras de Bramante y de Rafael. Prescinde de toda decoración y se centra en conseguir la belleza a través de los elementos arquitectónicos, (columnas y entablamentos). La fachada se ordena en dos pisos: el inferior, con almohadillado a la "rústica"; el superior,. Con balcones encuadrados por pilastras. | MONASTERIO DE SAN LORENZO DE EL ESCORIAL (1563-1504). (Estilo Herreriano) Fue considerado por sus contemporáneos como "la octava maravilla del mundo", recoge en su arquitectura la ideología religiosa, funcional y artística de Felipe II: Fue mandado construir por este rey en 1563, para conmemorar la victoria española en San Quintín, sobre los franceses y lo dedica a San Lorenzo,patrón del día en que se ganó dicha batalla. | El edificio se concibe como una moderna reconstrucción del Templo de Jerusalén. Debía servir a la vez de palacio, panteón y convento. PAra su emplazamiento eligió la sierra de Guadarrama, situada en el centro de su Estado (Castilla). | En las obras trabajaron dos arquitectos y el propio rey. El primero fue Juan Bautista de Toledo, que había trabajado con Miguel Ángel. El segundo Juan de Herrera: de gran cultura matemática y humanística. Sin embargo, el verdadero autor será el rey: fue él el que rechazó toda la decoración plateresca~ el que dio la forma defmitiva al conjunto al revisar y modificar continuamente los proyectos de los arquitectos; el que le proporciónó su función múltiple: un lugar donde vivir, donde orar y donde ser enterrado.


| El Escorial será el monumento prototipo de un nuevo estilo: el Herreriano. | El plano definitivo adopta la forma de una parrilla, en recuerdo del instrumento donde fue martirizado San Lorenzo. En el mango de la parrilla se encuentra el Salón del Trono. La Basílica cuenta con una planta de cruz griega, y al exterior destaca una gran cúpula. | Fachada oeste: amplio pórtico con dos cuerpos: el inferior, con columnas toscanas entre nichos y ventanas; el superior, con columnas jónicas. En el nicho central se encuentra el escudo de los Austrias. Toda la fachada está rematada por un frontón triangular.
LA ESCULTURA: Se produce la fusión de las formas renacentistas con las del espíritu religioso español. Características: •Predominio total y absoluto de lo religioso y rechazo de todo lo profano y pagano. •Gusto por lo expresivo y realista • El material utilizado será la madera. Normalmente aparece policromada, para conseguir un mayor Realismo y un mayor acercamiento al pueblo. También se utiliza el dorado sobre las vestiduras; el estofado, para imitar las telas bordadas {se aplica el color sobre el oro) y, el encarnado, para imitar las tonalidades de la piel. | Para los monumentos funerarios se utilizará la piedra. |Tema que predomina de forma absoluta es el tema religioso; también lmuerte; se trata de inmortalizar al difunto a través de las obras y actividades importantes que ha hecho en vida (sepulcros y mausoleos: reservados a reyes, nobles e importantes prelados de la iglesia;
Situados en el interior de importantes edificios religiosos). |Producción: sepulcros, sillerías de coro, tallas y retablos. 

ALONSO BERRUGUETE : Marcha a Italia a estudiar las obras de los grandes maestros del Renacimiento, Miguel Ángel, Donatello , sus obras denotan influencias manieristas, dinamismo, agitación de los cuerpos, emociones de los rostros. Los rostros de sus figuras están angustiados, parece que gritan. No respeta las normas clásicas y deforma las figuras.
Retablos: son de gran importancia, los compone a su manera, con figuras no excesivamente perfectas, puesto que no serán vistas desde todos los ángulos, pero consiguiendo efectos de gran monumenlidad.
- El Sacrificio de Isaac para el retablo de San Benito el Real de Valladolid. Inspirado en una obra de Donatello y resume el manierismo de Berruguete: canon alargado, la línea serpentinata y el expresionismo, visible en
los delgados cuerpos y en el grito de angustia de los personajes. | En Toledo trabaja en la sillería del Coro, En ella representa personajes del Antiguo Testamento. Destaca el remate de la silla episcopal con el grupo de la Transfiguración. En Toledo realiza también el Retablo de la Visitación para el Monasterio de Santa Úrsula y el Sepulcro del Cardenal Tavera. 


Juan DE Juñí:tres influencias: la francesa, la italiana y la española. Del arte francés adopta el movimiento de los paños y el patetismo de sus obras. Del arte italiano recibe la gran perfección en el acabado de las formas, que son amplias y musculosas (Miguel Ángel), con posturas inestables, envueltas en voluminosos paños, con expresiones dramáticas en los rostros, debido a la angustia interior que las domina. Del arte español capta, sobre todo, su gran religiosidad. | OBRAS: "Santos Entierros": destacan por el dramatismo del grupo y su fuerza expresiva, ctm un deseo de potenciar los sentimientos del espectador. También el Retablo mayor de Santa María la Antigua. | PINTURA:

EL GRECO El Greco es un pintor moderno. Rompe con el dibujo, pintando a base de anchas y certeras pinceladas. Sacrifica la anatomía y la proporción en beneficio de la expresión. El Greco es ante todo un pintor muy personal: Etapas: 1ª Bizantina. CRETA. 2ª Italiana Venecia. Allí conoce la pintura de los grandes maestros: Tiziano y Tintoretto. Roma, donde conoce las obras de Miguel Ángel. 3ª Española. Toledo. | Temas: a) Religiosos: Predominan las figuras aisladas de santos, penitentes y escenas de la Pasión, de la vida y muerte de Cristo. Se da mucha importancia al lenguaje de los gestos. Predominan los colores fríos. Suele dividir el cuadro en dos zonas o mundos, el terrenal y el celestial. Obras: El expolio de Cristo: es considerado heteróxodo por aparecer las figuras de los sayones por encima de la de Cristo. - El Martirio de San Mauricio: Tardó dos años en realizarla pero al rey no le gustó. La obra cumbre del Greco es El Entierro del Conde De Orgaz. Una leyenda medieval inspira la temática del cuadro. El cuadro está dividido en dos registros; en la zona inferior, San Agustín y San Esteban inhuman los restos del Conde de la misma forma que José de Arimatea y Nicodemo transladan a Cristo a la tumba. A su alrededor se dispone el cortejo fúnebre, don de retrata a sus amigosintelectuales y a la nobleza local. EL tema se aborda. Como si se tratara de una tema contemporáneo al autor: forma de vestir y ambientación. |También realizó retratos como El caballero de la mano en el pecho.


12. ARTE Barroco Es el estilo artístico que nace en Italia como evolución y contraposición al arte renacentista desde allí se difunde al resto de Europa y a América Latina. Cronológicamente se extiende a los 'siglos XVI y primeros decenios del XVIII. El término "Barroco" procede del lenguaje de los joyeros portugueses, que aplicaban este término Barroco a la perla irregular. Será en la segunda mitad del Siglo XVI, cuando se aplique por primera vez el término con sentido estético, pero de valoración negativa. Durante el Siglo XIX se mantiene este juicio peyorativo: es un arte excesivamente complicado y ampuloso. Será en el Siglo XX cuando se revalorice este estilo.
La época del Barroco es la del predominio de las Monarquías Absolutas de derecho divino, cuyo máximo representante es Luis XIV de Francia, el rey SoL El arte será utilizado por los monarcas absolutos como instrumento propagandístico de su poder. En Italia serán los Papas los impulsores del Barroco. Se trata de demostrar el triunfo del catolicismo sobre el protestantismo, tras el Concilio de Trento, de ahí que el arte también se utilice como instrumento propagandístico del poder de la Iglesia Católica. Se trata de una época llena de contrastes:
_ Auge de las Monarquías Absolutas/ Parlamentarismo en los países protestantes.
_ Apogeo de la Iglesia Católica / Auge de la Iglesia Protestante
- Lucha en Europa por la hegemonía entre Francia y España.
_ Deseo de aparentar riqueza y exuberancia, mientras el pueblo llano vive en la miseria. El arte Barroco, como reflejo de su época, será un estilo de grandes contrastes:
_ Por una parte tenemos el llamado Barroco Cortesano o Barroco propiamente dicho que es el estilo de la Contrarreforma Católica y las Cortes Absolutistas: Sensual, monumental,
efectista y decorativo.
_ Frente a este "Barroco", existe otro que, podríamos llamar "clasicista", más estricto y riguroso de la forma. En las zonas de religión protestante, se desarrollará un Barroco menos ampuloso y más intimista. Así pues el Barroco es a la vez ampuloso e intimista; Religioso y Profano; representa la Vida y la Muerte; la Verdad y la Falsedad; es de una gran belleza plástica, pero también se recrea en la fealdad y la deformidad. Evolución y fases del Barroco
1.- Fase de formación (la 1 mitad del S. XVII): el Barroco existente es una continuación del arte
de [males del Renacimiento: el Manierismo. Se mantienen las mismas estructuras. 2.- Fase de esplendor (2a mitad del S. XVII): poco a poco las formas se van descoyuntando, movíéndose y complicándose. Se le añade cada vez más decoración (etapa de esplendor o Barroca). 3.- Fase de recargamiento o Rococó (1 tercio S. XVIII): se hace tan complicado que resulta
a veces demasiado ampuloso y artificioso: es el estilo "Rococó" francés.


Arquitectura Barroca Juega un papel fundamental el movimiento religioso de la Reforma Católica que procura fomentar la devoción.
Carácterísticas: -Búsqueda del movimiento: se convierte en el carácter dominante, se ondulan las fachadas y los interiores.
-Los muros son oblicuos -Amor por lo curvilíneo, los entablamentos se incurvan; los frontones se parten, describen curvas y espirales. Se usa la columna salomónica.
-Gran importancia de la luz: Se buscan efectos de luz y de perspectiva, todo esto se consigue concentrando la luz en algunas partes del edificio y dejando otras en sombras. -Los elementos arquitectónicos se multiplican, se utilizan cariatides, talantes o columnas de grandes dimensiones. Se usa el estípite.
-La planta se compone de curvas y contracurvas, predomina la planta redonda y se emplea también la jesuitica. -Empleo de la cúpula -interiores lujosos y teatrales -La decoración tiende hacia un progresivo enriquecimiento. -Los edificios típicos siguen siendo la iglesia y el palacio.

Arquitectura barroca en Italia



El edificio principal sera la iglesia y el modelo sera la iglesia del Gesu en Roma. Se llenan de esculturas, las columnas se desprenden del muro y el efecto en general es de mayor riqueza y movimiento. A la vez se empiezan a diseñar fachadas cóncavas y convexas, que se relacionan con el espacio urbano y que se edifican teniendo en cuenta el ángulo bajo el cual van a ser vistas. En los interiores también se buscan las superficies curvas y la decoración se hace cada vez mas rica y colorista 4
.La arquitectura barroca romana gira en tomo a dos arquitectos rivales: Gian Lorenzo Bemini y Francesco Borromini. Construyen edificios de planta elíptica con muros alabeados, pero las diferencias en el empleo de los órdenes y de los materiales, y en el uso del espacio y de la luz fueron diametralmente opuestas .
Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680).
Es el arquitecto Barroco por excelencia. Hijo de un escultor y también él mismo escultor, es el que mejor encarna el espíritu de grandiosidad de la Roma triunfal. Nace en Nápoles, y hacia 1605 se trasladó a Roma con su familia, donde estudió las obras clásicas y los trabajos de Miguel Ángel y Rafael y donde comenzó su carrera artística. Pronto se independiza de su padre, porque contaba con una importante y selecta clientela entre los que se encontraban la familia Borghese y, sobre todo Scipione Borghese, un cardenal que demostró un gran amor por el arte. En casa de éste pudo conocer importantes obras clásicas que le servirán de fuente de inspiración, y además le hará sus más importantes encargos.


Con 25 años se convierte en el escultor y arquitecto del recién nombrado Papa, Urbano VIII, con el que mantendrá una profunda amistad.
Profundamente religioso, obsesionado (tras una enfermedad) con la idea de la muerte, llegó a considerarse un instrumento divino y que su arte era un don de Dios.
Tras la muerte de Urbano VIII, el nuevo Papa, Inocencia X, dedicará poco dinero a obras de arte y Bernini será sustituido por Borromini. A partir de este momento se dedicará a la escultura. En 1638 viaja a Francia, a la Corte de Luis XIV para intervenir como arquitecto en el Proye9to del Louvre, pero debido en parte a la actitud prepotente del propio Bernini, su proyecto ftacasará. Vuelver~idamente a Roma donde permanecerá hasta su muerte.
Para~ él Roma era el símbolo del prestigio histórico y del poder político de la Iglesia. De ahí la solemnidad y grandiosidad y el sentido retórico y escenográfico de sus realizaciones que lo convierten en el representante del Barroco oficial al ser arquitecto de la Curia y de las grandes familias. Utilizo materiales nobles para acentuar el significado político-religioso de los edificios para realzar la belleza de sus formas, en las que predominan la norma y el rigor frente a la fantasía y libertad de Borromini. Su carrera como arquitecto de inicia en el Vaticano. El Baldaquino de San Predro fue encargado por Urbano VIII en 1624. Bernini ideó una construcción en bronce dorado de proporciones monumentales, se trata de un palio permanente sustentado. Por cuatro columnas salomónicas de fustes con decoración vegetal y capiteles corintios, que descansan sobre cuatro podios. El baldaquino se convierte en pieza fundamental de la renovación artística iniciada por la Iglesia para enfatizar el lugar más importante de la cristiandad, cobijado bajo la gran cúpula, la tumba del apóstol San Pedro~ Pero también servía para exaltar al Papa Barberini, cuyos símbolos familiares, las abejas y el sol, aparecen en la parte superior. Las columnas, que se pensaban que eran iguales a las del templo de Salomón, resaltan la figura de Urbano VIII como moderno Salomón de la cristiandad, y Roma, como la nueva Jerusalén, triunfante contra el protestantismo. Columnata del Vaticano: Obra encargada por Alejandro VII para terminar laexplanada de San Pedro, Presenta una disposición elíptica y esta construida por varias filas de columnas monumentales; de orden dórico. El diseño del pórtico responde a una doble función simbólica y funcional:
- Los dos tramos de la columnata presentan los brazos de la Iglesia que acoge y abraza a la comunidad católica y a todo el que quiera entrar en ella.
Se crea unespacio para acoger a grandes multitudes de fieles reunidos para recibir la bendición papal - Hace más solemne y grandioso el acceso a la Iglesia más importante de la Cristiandad. Igresia de San Andrés de Quirinal


(Iniciada en 1658, expresa la facilidad de recursos arquitectónicos de Bernini. Las condiciones espaciales como el pequeño tamaño del solar donde se debía construir, son hábilmente transformados para obtener un efecto engañoso de mayores dimensiones. El uso de la planta central, expresa el movimiento y la tensión del nuevo estilo, al tiempo que sirve para transmitir un mensaje teológico. El arquitecto manipula el espacio para crear un ambiente ilusorio, a lo que contribuye el ambiente lumínico entre la oscuridad de la parte inferior del templo y la luz que ilumina la cúpula a través de las ventanas. La fachada es clásica con pilastras gigantes y rematada en frontón, pero la línea curva queda integrada en el muro con un arco de medio punto. El muro cóncavo avanza hacia el visitante, creando una sensación de acogimiento. 

Francesco Borromini (1599 - 1667) mantuvo una dura competición con Bernini, que lo relegó siempre a un segundo plano, teñíéndose que conformar con los encargos de las órdenes religiosas para las que realizó la mayoría de sus obras. Borromini dotado de una extraordinaria inventiva, va a romper con todas las reglas y a inventar elementos nuevos, haciendo ondular los entablamentos y comisas, alabeando los muros y utilizado bóvedas que parecen nervadas y arcos mixtilíneos. No dispuso nunca de grandes recursos económicos, de ahí que sus "obras .Sean más pequeñas y de materiales más modestos que las de Bernini. Pero su fantasía y su extraordinaria capacidad hacen de sus obras más reducidas. Verdaderas obras maestra~ de genialidad e inventiva. San Carlos de las Cuatro Fuentes (alle Quattro Fontane): Es una de las obras más ingeniosa de la arquitectura. Borromini recibe el encargo de construir en Roma el convento y la Iglesia de los Trinitarios, dedicados a San Carlos. El solar en el que había de elevarse la construcción era pequeño e irregular, colocado en la intersección de dos calles. La planta es casi ovalada, al igual que la cúpula. En la fachada juega con las formas cóncavas y convexas, consiguiendo de este modo un tremendo dinamismo y un intenso claroscuro. San Ivo della Sapienza: Su dinámica planta está formada por dos triángulos equiláteros, que al cruzarse, crean un hexágono presentando un curioso esquema de forma estrellada que se prolonga en altura. Se cubre con una cúpula que culmina con una espiral que invita a elevar la mirada.  | Oratorio de San Felipe Neri: Su estructura está pensada en función del contexto urbano del que forma parte. Con la fachada de la iglesia consigue un importante objetivo: persuadir al fiel para que entre en el templo.


Es una imagen simbólica con los brazos abiertos y protectores de la Iglesia . Iglesia de Santa. Inés en la Plaza Navona: encargada por el papa Inocencio X como reconocimiento a sus valores como arquitecto y también con la idea de convertir la Plaza Navona en corte familiar y centro de poder de la familia Pamphili (familia del Papa) a partir de la combinación artística de palacio-fuente-iglesia. La fachada es cóncava, prolongada en dos alas laterales sobre las que se erguían los dos campanarios exentos que franquean la cúpula. A la muerte del Papa, sus herederos cambian el proyecto encargando la obra a otro arquitecto que añade un cuerpo a cada una de las torres que alcanza la altura de la cúpula y anula su grandiosidad.

ARQUITECTURA BARROCA FRANCESA


El Siglo XVII es una época gloriosa para Francia: se le concede el título significativo de "Gran Siglo”. En el terreno artístico la corriente barroca común al resto de Europa estuvo coartada por el Racionalismo acorde con la mentalidad francesa y que fue defendido a toda costa por las Academias y por los reyes. Este Racionalismo potencio un tipo de arte frio, perfecto en su composición, que remite a los modelos clásicos, de ahí que este arte sea encuadrado bajo un concepto clasicista aunque también congeniara con la estética barroca. Es un arte cortesano. Será la Francia de Luis XIV donde mejor se plasme la idea de este concepto del arte. Fue este el rey que consiguió el gran apogeo de Francia, que dominará todos los resortes del Estado y que pretenderá que las manifestaciones artísticas se pongan al servicio de esos principios políticos. La difusión de estas ideas correrá a cargo de las Academias, que regularán y codificarán todos los trabajos.
Se crean también las manufacturas reales que surtirán los detalles necesarios para la decoración de los interiores de los palacios. Será en esos interiores donde adquiere importancia por primera vez el llamado Rococó. Rococó son las tallas de madera las telas, los muebles, bronces, realizados de una forma caprichosa, retorcida y recargada. El urbanismo tendrá gran importancia por el valor político que poseía la ciudad: era el centro ideológico y económico de un entorno mayor. Se modifican las ciudades siguiendo un esquema racionalista: calles amplias, despejadas y rectas, con edificios de poca altura y poco adorno. La plaza tendrá también una especial importancia al ser un espacio urbano que rodea a la estatua del rey, centro de toda la ciudad.
Palacio de Vaux-le-Vicomte de Louis Le Vau. Fue construido para Nícolás Bouquet, ministro de finanzas de Luis XIV. La esplendorosa fiesta de inauguración despertó la envidia del Rey Sol, que encarceló al ministro y le confiscó sus bienes.


El equipo que trabajó en este palacio se encargará de construir Versalles.
El palacio clasicista francés: Versalles. Versalles es el prototipo de residencia ideal del príncipe absoluto. El Rey Sol, Louis XIV de Francia, eligió este palacio como expresión de la monarquía de origen divino. Muy pronto el palacio y la ciudad que surgirá a su alrededor se convirtieron en un signo suntuario de propaganda política.
Versalles había sido un pequeño castillo, en cuyos alrededores había una abundante caza. Su transformación barroca va a seguir un proceso escalonado: en 1661, Luis XIV lo convierte en marco escenográfico de sus fiestas; en 1668, fija su vivienda; y en 1682, en pasa a ser capital de Francia en detrimento de París. De este modo, Versalles se convierte en una ciudad con mansiones para los cortesanos, ministerios para los empleados de la administración, cuarteles para la guardia y viviendas para los criados. Todo ello coherente y simétricamente articulado en tomo a la cámara del rey. Los artistas que prestaron su ingenio y rigor al servicio del Estado fueron el arquitecto Jules Hardouin-Mansart, el pintor Charles Le Brun el jardinero-paisajista André Le Notre. Mansart diseñó una monumental fachada, por cuyo interior corría la Galería de los Espejos, flanqueada por el Salón de la Guerra y el Salón de la Paz. Le Brun decoró sus espacios con mármoles polícromo s y dorados trofeos, pintando en el techo los gloriosos anales del rey. Después Mansart añadió dos alas en escuadra y nuevas dependencias: I'Orangerie, un invernadero de plantas exóticas. El Grand Trianon un pequeño palacete emboscado en los jardines que el rey gozara de intimidad con su amante, la marquesa de Maintenon; y las Grandes y Petites Écuries, dos caballerizas que a1bergaban a los animales y a sus cuidadores. Le Nótre diseñó las tres avenidas de jardines que confluyen en el palacio, y las calles radiales que en tomo a un gran canal se abren en la parte posterior. Aquí dispuso glorietas, fuentes, pérgolas emparradas, entre parterres y unidades boscosas.
A partir de Versalles, tanto el palacio como el modelo de jardín francés se extendieron por las cortes europeas. Hardouin Mansart hizo, además, la maravillosa iglesia de Los Inválidos con soberbia cúpula muy esbelta, y la Plaza Vendóme concebida como marco para una estatua ecuestre del Rey.
Carácterísticas generales Ésta se caracteriza por: La escultura barroca es la escultura del movimiento: los sentimientos se exteriorizan a través del cuerpo, por eso encontramos paños que flotan al viento, composiciones en aspa y una gesticulación expresiva de brazos y manos.


La escena se fija en el momento de mayor intensidad dramática y se representan en grandes escenografías, como en el teatro. • . La predilección por la figura serpentinata, el cuerpo humano captado mientras realiza un movimiento en espiral como consecuencia de un movimiento de rotación. • Los violentos juegos de luces y sombras tan típicos del Barroco, a través de los ropajes, cabellos... • Se intenta un Naturalismo que hace tratar al bronce y al mármol de formas muy diversas para conseguir las calidades y las texturas de la carne, tela, .......• Su misión propagandística de la fe católica, de ahí que tema mas cultivado sea el religioso: Apoteosis de Gloria; Escenas de Martirios o de Éxtasis; Alegorías del triunfo de la Fe sobre el error. También se proyecta el tema humano y heroico, presente en la escultura funeraria y en las estatuas ecuestres; los temas alegóricos para las fuentes monumentales que embellecen las ciudades; y el tema mitológico para palacios y jardines, más abundante en Francia. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) Es la figura culminante del siglo. Artista excepcionalmente dotado, Bernini comienza su actividad muy joven, casi un niño, realizando esculturas de carácter mitológico para el cardenal Borghese. Sus carácterísticas principales serán: el movimiento exaltado, la búsqueda de calidades y texturas no aceptadas antes como "escultóricas", y un profundo Naturalismo. Su actividad escultórica se puede dividir en tres etapas: La etapa juvenil corresponde a los encargos mitológicos y bíblicos del cardenal Borghese para decorar su villa: Eneas y Anquises; el Rapto de Proserpina; Apolo y Dafne y su célebre David. La perfección de su técnica es ya excepcional en estas obras. Estudiando la escultura helenística, Bernini consigue un virtuosismo extraordinario al hacer que el mármol se convierta en carne, telas o vegetales. Pero a la vez el movimiento sorprendido en plena acción y la violencia expresiva son ya enteramente barrocos. En 1624 era elegido papa su amigo Urbano VIII y Bernini inicia la época llamada alto barrocoe se caracteriza por la importancia conferida al ropaje para apoyar el impacto emocional.: Las telas revolotean y se arrebujan en grandes masas de efecto claroscuristas. Su obra maestra es San Longinos en el Vaticano. Entre 1640 y 1654 se desarrolla el periodo medio, el mas creativo de su carrera. Son los años del pontificado de Inocencio X. Mientras atiende también a sus importantes encargos arquitectónicos, se rodea de un excelente taller que le ayuda a atender la enorme cantidad de encargos. En esta etapa realiza su obra maestra: ,la Capilla Cornaro "~n la Iglesia de Santa Ma de la Victoria, donde representa el Éxtasis de Santa Teresa .. Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire y la expresión de la Santa, en pleno arrebato místico, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte Barroco. En el Mausoleo de Urbano VIII crea un tipo de sepulcro papal que será muy imitado, con la figura del pontífice sentado en actitud de arenga, y, en el basamento, figuras alegóricas de las Virtudes y un esqueleto que arranca los títulos del difunto.


Como gran decorador urbano realiza conjunto deslumbrante de fuentes en Roma, desde las más sencillas, como la de la Barcaza, iniciada por su padre, hasta la monumental de los Cuatro Ríos, en la Plaza Navona, complicada alegoría para exaltar el Papado, la Iglesia, y la familia del pontífice Inocencio X, cuyo palacio se alza en la misma plaza. Como retratista también ha dejado una infinidad de ejemplos, en los cuales traduce con extraordinaria vivacidad los rasgos y el carácter de las personas, dando mucha importancia a los ropajes, que labra con virtuosismo admirable. El retrato de Luis XVI, que realizó en París, fue decisivo para los retratistas franceses de fmes de siglo por su tono de altivez y distanciamiento heroico, que contrasta con la intimidad que tiene otros retratos de personas de su círculo más próximo. En su última etapa estilo tardío realiza el Mausoleo de Alejandro VII, en el que reelabora el esquema de sepulcro, colocando al Papa en oración y dramatizando aun más al grupo de las alegorías. En la Beata Albertona moribunda, una de sus últimas obras, vuelve a insistir con idéntica maestría en el tema del alma deshecha en el éxtasis. Bernini tuvo muchísimos discípulos que prolongan su estilo hasta bien entrado el Siglo XVIII y su influencia fue decisiva en toda Europa.
OBRAS :Júpiter niño y la cabra Amaltea. Eneas y Anquises
Apolo y Dafne: Representa el tema mitológico, recogido en las Metamorfosis de Ovidio, sobre la persecución de Dafne por Apolo. Combina en ella sutilmente la belleza idealizada de lo clásico con el precipitado movimiento Barroco, también destaca la expresión de sentimientos. La obra se estructura en grandes diagonales que suman dinamismo al movimiento de paños y cabellos.
El rapto de Proserpina. Narra el rapto de Proserpina por Plutón. Destaca por los rigurosos estudios anatómicos y por el contraste producido entre la corpulenta y vigorosa forma de Plutón y la delicadeza exultante de proserpina. Se rompe por primera vez el equilibrio clásico con un impetuoso movimiento y por la expresión de los sentimientos: ciega brutalidad en Plutón, y de angustia y espanto en Proserpina.
El David: lo representa en el momento mismo en que está disparando contra el gigante. Es como una instantánea que ha congelado el movimiento. La acción física se complementa con la expresión, que refleja el esfuerzo realizado.
La Cátedra de San Pedro. Se construye para exaltar la reliquia de la cátedra de San Pedro, que se forra de bronce dorado y es rodeado por cuatro padres de la Iglesia que reconocen su autenticidad y, asimismo, la autoridad de quien la ocupa, de manera que sirve para exaltar la autoridad pontificia. En ella demuestra Bernini el conocimiento de la escenografía al idear la parte superior compuesta por un cristal o transparente cercado de ángeles que, al recibir la luz de una ventana posterior, simula la iluminación celestial de la gracia desprendida del Espíritu Santo.


El Éxtasis de Santa Teresa: Forma parte de la Capilla Comaro en Sata M3 de la Victoria. La escena milagrosa de la Santa preside la capilla, pero en sus muros laterales abre Bernini dos palcos desde los cuales los miembros de la familia Comaro contemplan asombrados el milagro. El sentido teatral se suma al del propio escenario donde la acción se lleva a cabo: un nicho donde las figuras parecen flotar sobre una nube; el efectismo se consigue mediante una base inapreciable donde se sustentan y, sobre todo, por la iluminación, en forma de haz de luz vertical que potencia los contrastes. La iconografía se basa en uno de los escritos de Santa Teresa en el que describe una de sus visiones, en la que un ángel, con una flecha de fuego, le atraviesa el corazón.
Mausoleo de Urbano VIII: situada en un nicho renacentista de la Basílica. Ubica al Papa en un pedestal, sentado sobre su cátedra. Debajo coloca su tumba, acompañada de las virtudes de su pontificado: la Caridad y la Justicia.
Mausoleo de Alejandro VII: situado en un nicho que conténía una puerta, que condiciónó la obra, aunque se le dará un carácter simbólico, la puerta hacia la otra vida. Aparece el Papa orando preparándose a morir.
La Beata AIbertoni: Representa la muerte de Ludovica Albertoni. La figura muestra la agitación y el dolor en el mismo trance de la muerte.
Retratos: Cardenal Scipione

Borghese; Constanza BuonarelIi; Duque Francisco d’Este; Busto de Luis XVI | Las Fuentes:
Fuente Barcaza: de la Plaza de España. Una barca, alegoría de la Iglesia, navega tranquila y triunfante por el océano del mundo. Fuente del Tritón, en la plaza Barberini, de temática profana, aunque muestra bajo las dos grandes conchas, los símbolos papales, la tiara y las llaves, y las abejas, emblema de la familia Barberini.
Fuente de los Cuatro Ríos: Simula una roca natural, rodeada por ríos representativos de cuatro continentes con sus animales y plantas carácterísticos. Éstos están representados como personajes hercúleos de tamaño gigante. Todo el conjunto se concluye en un obelisco dominado por una paloma, enseña de los Pamphili, la familia de Inocencio X, que encierra el simbolismo del dominio del Papa sobre los cuatro continentes, a la vez que representa al Espíritu Santo, suya gracia se extiende por doquier.


PINTURA BARROCA CarácterÍSTICAS GENERALES -Realismo Y Naturalismo llevado a su extremo. Llega incluso a los temas religiosos GUSTO POR LA R.EPRESENTACIÓN DEL DOLOR: La pintura barroca se complace en la representación de martirios. COMPOSICIONES EFECTISTAS de gran expresividad y espectacularidad: cielos cargados de luz y músicas, llenos de aparatosas nubes. GUSTO POR EL MOVIMIENTO:, Se rompe el estatismo de las escenas renacentistas y se busca el dinamismo; figuras inestables, escorzos. COMPOSICIÓN ASIMÉTRICA Y ATECTÓNICA: Se rompe la simetría y la horizontalidad y se buscan diagonales que rompan esa regularidad.
GRAN IMPORTANCIA DEL COLOR: Que predomina sobre el dibujo. Son continuadores de los pintores venecianos. IMPORTANCIA CAPITAL DE LA LUZ: La preocupación fundamental del pintor Barroco será la luz. Es imprescindible los juegos de luces y sombras que se dan en una escena. Este proceso de búsqueda comienza con el Tenebrismo y termina con el descubrimiento de la perspectiva aérea con Velázquez (se conquista la tercera dimensión la PROFUNDIDAD) Se generaliza EL ÓLEO Y EL LIENZO. | TEMAS
a) Religiosos: Católicos: los temas rechazados por los luteranos: Inmaculada - Representaciones de los Santos -Temas del Nuevo Testamento - Apoteosis de la Fe Católica Protestantes: - Escenas del Antiguo Testamento b) Paganos: Se siguen cultivando sobre todo en Flandes y en Francia e) Retratos~ Se generaliza el de cuerpo entero y el ecuestre y el de grupo o Corporación. D) El Paisaje: Adquiere importancia por sí mismo.
e) Surge el tema del bodegón.
LA pintura barroca italiana
Existieron dos corrientes, representadas por sendos grupos de pintores:
Una corriente naturalista encabezada por Caravaggio y otra clasicista donde sobresalen los hermanos Carracci.
-El tenebrismo: Caravaggio.
Es el creador del Naturalismo y del tenebrosmo pictórico. Artista independiente y rebelde, llevo una vida azarosa. Se traslada a Roma, donde su carácter pendicero le lleva varias veces a la cárcel y al asesinato de un hombre por riñas de juego, lo que le obligo a huir de Roma a Nápoles, Malta, Siracusa y Mesina. Al volver a Roma una vez obtenido el perdón, muere de malaria.
Su forma de pintar revoluciono el arte. Sus primeros pasos dentro de la pintura los dio en Lombardía. Mas tarde fue a Roma donde completo su aprendizaje.
Utiliza para todos sus personajes a modelos callejeros sin someterlos a ningún proceso de idealización.


Este procedimiento que causa en un principio reacción a veces violenta, sera aceptado mas tarde por la pintura barroca. A veces la vulgaridad de sus tipos podía producir una sensación de falta de respeto.
Junto a este afán de Realismo, el empleo de la técnica tenebrista: consiste en presentar a los personajes de la picaresca. En este periodo se inventa el bodegón moderno.
Tres etapas:
-La fase inicial. Cuadros pequeños, de medias figuras que el pintor vendía en mercadillos ambulantes para subsistir y en los que retrata a personajes de la picaresca.
-Fase intermedia: Se inicia el estilo maduro, en el que funde el Naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. Tiene grandes encargos de las iglesias romanas: La crucifixión de San Pedro y la Conversión de San Pablo.
También pertenecen a esta época: La Virgen del Loreto, que causó un gran escándalo al representar a dos peregrinos, uno con los pies sucios y una mujer con la cofia desgarrada y sucia. Al pueblo le parecíó irreverente. La muerte de la Virgen, fue retirada de la iglesia "porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta ahogada en el Tíber".
La etapa final coincide con su exilio, pinta cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia. Ejemplos de este periodo son: Las siete obras de misericordia, La decapitación del Bautista y la Resurrección de Lázaro.
OBRAS: • En 1595, pinta su primera obra: Baco. Aunque muy influida por el manierismo y la pintura de bodegón, se nos revela ya el autor como un gran artista, fundiendo la pintura mitológica con la naturaleza muerta. Baco, Dios de rostro ambiguo y gélida impresión clásica, se recorta volumétrico sobre el fondo oscuro, acentuando la sensación de frialdad. • Muchacho con cesta de frutas, es una pintura de género, es una representación de los placeres de los sentidos. • Pequeño Baco enfermo se piensa que es un autorretrato, cuando se encontraba convaleciente de un accidente a caballo. Puede ser también una alegoría de los sentidos. • El tocador de Laúd
• La Buenaventura representa la ingenuidad burlada por la malicia astuta.
La cena de Emaús supone un punto de inflexión en su carrera, pues, aunque sigue insistiendo en el bodegón, aparecen aquí algunos elementos carácterísticos de su etapa madura: la creación de mayor profundidad en el cuadro a través de la perspectiva y de los escorzos, pero, sobre todo, la introducción de tipos vulgares como personajes sagrados y el oscurecimiento progresivo de la escena.


• El entierro de Cristo será copiado posteriormente por Rubens.
La Virgen del Loreto
• La Virgen de los Palafreneros, cuadro encargado por los mozos de caballería del Papa que se organizaban en la cofradía de Santa Ana. Representa el tema de Santa Ana con la Virgen y el Niño. Fue tachado de falta de • Para la iglesia de Santa María del Popolo, de Roma, realizó los lienzos de La Crucifixión de San Pedro y La Conversión de San Pablo. Su ejecución bajo los preceptos del nuevo estilo le acarreó numerosos problemas por la oposición de los eclesiásticos.
• En La Conversión de San Pablo, la escena, aunque desarrollada en el exterior, carece de profundidad, debido a la oscuridad que enturbia el fondo; solo los escorzos introducen cierto espacio. La colocación del sirviente, ataviado como un mendigo y el caballo fuertemente iluminado, desvían la atención del tema principal al secundario.
Estos lienzos crearon tal rechazo que incluso fueron retirados del altar.
• La Crucifixión de San Pedro de composición diagonal, la luz hace destacar ciertas zonas de las figuras, dotándolas de mayor fuerza. Los personajes, totalmente anticlasicos, de ruda conformación física
expresiones primarias, ya no tienen, a excepción de San Pedro, por qué mostrarse de frente, sino que permanecen en el anonimato, constituyéndose en meros instrumentos iconográficos del tema descrito.
• Algo similar aconteció con La dormición de la Virgen, donde, en su intento de acercarse a la realidad, utilizó como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber. Inflamados los tobillos e hinchado vientre por la descomposición, supone una conmoción en el ambiente eclesiástico por el atrevimiento e irreverencia del autor. Le acompañan todo un cortejo de tipos populares, quizás mendigos, en un ambiente de penumbra. La diagonal que genera la Virgen, unida a los contrastes lumínicos, producen una atmósfera tensa
• La Vocación de San Mateo, ejecutado para la Capilla Contarelli de San Luis de los Franceses de Roma. Narra el momento en que Jesucristo entra en una taberna en busca de San Mateo, recaudador de impuestos. La oscuridad envuelve la sala y es un foco de luz el que vertebra las formas, haciéndolas salir de las sombras, de manera que las figuras no poseen un contorno definido Esto hace que se destaquen especialmente los rostros, la mano de Jesús que señala o la acción de contar el dinero. En la escena no hay movimiento físico, pero el autor ha sabido crear tensión a través de la luz: el foco superior derecho establece una diagonal con la zona de oscuridad donde se encuentra Jesucristo. El Naturalismo se aprecia en los rostros de los personajes, salidos de los que poblaban las tabernas romanas, muy frecuentadas por Caravaggio.


• San Mateo y el ángel y El martirio de San Mateo • David con la cabeza de Goliat
LA PINTURA DE LOS PAÍSES BAJOS La pintura barroca alcanza un amplísimo desarrollo en los antiguos Países Bajos que, por la firma del Tratado de Amberes, se dividieron en dos estados irreconciliables: Flandes (Bélgica), bajo dominio español, católico, con un enorme peso de la nobleza. Holanda, república burguesa y protestante. Esta división traerá consigo una concepción totalmente distinta de la pintura en cada zona.
LA PINTURA FLAMENCA
Se multiplican los asuntos religiosos, en grandes lienzos de altar, insistíéndose mucho en la vida de los Santos y en las representaciones de los sacramentos, que los protestantes rechazan. Los temas mitológicos son representados también en grandes dimensiones para decoración de los palacios reales y de la alta nobleza, insistiendo en los elementos de sensualidad. El retrato tiene un carácter aparatoso y solemne, dando idea, ante todo, de la elevada posición social del retratado. La forma de tratar estos temas será muy optimista, alegre y exuberante: mucho movimiento, escenas grandiosas y teatrales de gran belleza plástica. Serán todos los cuadros de grandes dimensiones. El máximo representante de esta corriente será Rubens . Pedro Pablo Rubens(1577 -1640). Es la figura más importante de la pintura flamenca y una de las más destacadas del arte europeo del XVII. Su obra condiciónó las carácterísticas de la pintura de su época dentro y fuera de Flandes. Nacido cerca de Colonia se educó en Amberes en el círculo de los "romanistas" y estudió humanidades. Hace un viaje a Italia donde conoce la pintura de Miguel Ángel, los Venecianos y los contemporáneos Caravaggio y Carracci. A su vuelta a Amberes entra en contacto con la Corte de los archiduques Alberto o Isabel Clara Eugenia. Su habilidad política y su prestigio le llevan a asumir importantes misiones diplomáticas que supo simultanear con sus tareas de pintor. Viajes a Francia, España e Inglaterra extienden su fama y le convierten en el pintor más famoso de las cortes europeas.
Supo rodearse de colaboradores de gran calidad que le permitíó crear una extensísima obra. Él hacía los bocetos, que sus discípulos copiaban y él luego retocaba y terminaba. Lo admirable es el sentido de unidad total de todas estas obras, que traducen la personalidad y el genio de su inventor, dotado de una fabulosa imaginación creadora. Su pintura se caracteriza por su dinamismo, vitalidad y exuberancia. Su colorido es cálido, aprendido de los Venecianos, Sus composiciones se ordenan habitualmente sobre un esquema diagonal, que les da una sensación de movimiento prolongado más allá del marco. Los cuerpos varoniles musculoso s y los femeninos, de modelos gruesos, carnosos y sensuales, se agrupan en composiciones llenas de ritmo turbulento. Incluso en el Paisaje, comunica a la Naturaleza el mismo impulso dinámico.


Rubens dominó. Todos los procedimientos de la técnica pictórica, desde lienzos al óleo hasta murales al fresco. Con igual maestría tocó todos los temas y géneros, pero renovándolos. Pintó asuntos religiosos, históricos y mitológico, cultivó el paisaje, el bodegón y fue un espléndido retratista ..
OBRAS: Rubens refleja en sus obras su talante optimista y cultivado, que encontró su medio de expresión en su estilo enérgico, dinámico, brillante e imaginativo: perfecta ilustración de un estilo Barroco radiante y expansivo.
Dentro de su variada obra hay que distinguir:
Obra de carácter religioso: Crea una serie de grandes composiciones. Todas ellas de espectacularidad extraordinaria al servicio del sentido triunfal de la Iglesia.
• Erección de la Cruz: pintado para un altar mayor, tendría la forma de tríptico; Aparece Cristo tendido en el suelo sobre el madero. La fuerza de la pintura depende de la fuerza ejercida por los sayones para alzar la cruz.
• El Descendimiento: forma parte de un tríptico ejecutado para la catedral de Amberes. Resulta una pintura de gran aparatosidad barroca concebida sobre una gran diagonal de claridad, formada por la figura de Cristo, semi envuelta en un paño blanco. Obra de personajes semi estables, casi manieristas, se vale del recurso del rojo, colocado en primer plano en la túnica de San Juan, para atraer la atención hacia la escena principal, resaltando entre el conjunto opaco de los asistentes y, muy en especial, sobre el oscuro . E impenetrable fondo, reminiscencia del tenebrismo. La oscuridad intensifica el dramatismo de la escena, potenciada, además, por la retórica gestual de los personajes, que expresan su sentimiento de dolor. • Juicio Final: encargado por la Compañía de Jesús para un altar mayor. Se inspira en Miguel Ángel en los desnudos.Convierte la caída de los condenados en el tema principal.
El entierro de Cristo y adoración de los Reyes • Realiza también grandes lienzos con martirios y apoteosis de Santos y la serie de Alegorías de la Iglesia y la Eucaristía, en forma de carros triunfales con gran trascendencia posterior.
De carácter Mitológico: interpreta con gran maestría y sensualidad los temas de los dioses, utilizando con frecuencia como modelos femeninos a sus esposas, sobre todo a la segunda, Elena Forment.
• Juicio de París: representa el tema mitológico en que el joven París debe valorar quien es la más hermosa de las tres diosas. Las tres aparecen llenas de sensualidad para inclinar a su favor la elección del juez. Rubens domina la representación del desnudo femenino con un alarde de anatomía y luminosidad. En la figura de Venus (la del centro) retrata a su esposa.


• Las tres Gracias: La escena trascurre en un exterior, con la gran luminosidad que caracteriza al autor. Aparecen las tres mujeres entrelazadas en una composición simétrica y muy adaptada a las normas clásicas. El tratamiento del desnudo tiene toda la sensualidad que caracteriza a todos sus cuadros, con cuerpos voluminosos y sonrosados que manifiestan el canon de belleza de su tiempo. En la escena se advierte un movimiento contenido, como si las tres figuras estuvieran apunto de comenzar a danzar. La representación del paisaje es muy delicada, con una pincelada muy libre en la que el color está por encima del dibujo.
• Jardín del amor: el lienzo se concibió como un
homenaje a su joven esposa y como una alegoría de la voluptuosidad amorosa. El escenario, un tanto magnificado, es el jardín de su propia casa en Amberes. Rubens ha convocado a sus amigos a una fiesta galante. Las parejas bailan, pasean, se arrullan. Los cupidos, mensajeros del amor, revolotean sobre ellas coronándolas de flores, asaeteándolas con sus flechas, o portando las antorchas del himeneo. Las fuentes del jardín están también cargadas de intención expresiva. En una de ellas la fecundidad, desnuda, vierte agua desde sus senos, y las Tres Gracias coronan otra fuente bajo el lujoso pórtico. Se reconoce al pintor y a su joven esposa en la pareja que baila a la izquierda, empujada por un amorcillo. Una atmósfera sensual y galante posee todo el lienzo, representando el mundo gozoso de las clases aristocráticas dirigentes, voluptuosas y entregadas a los placeres sensuales. Rubens con una libertad de pincel y una maestría en el color absolutamente excepcionales, consiguió aquí, una de sus obras más singulares. La conservó siempre consigo y a su muerte fue adquirida por Felipe IV, que la tuvo siempre a la vista en su alcoba.
El rapto de las hijas de Leucipo Series Histórico-alegóricas como las realizadas en honor de María de Medicis, reina de Francia, en las que hace intervenir junto a personajes históricos, los dioses y las diosas del Olimpo, creando así un género de gran trascendencia en Francia. Retratos: • Retrato de Rubens con Isabel Brandt: • Retrato de Helena Fourment y.Sus hijos Clara, Juan y Franc
La pintura holandesa. Destinada a una clientela diversa, preferentemente de burgueses acomodados, comerciantes y artesanos, refleja un espíritu que es el de los orígenes del capitalismo. Los artistas tienen tiendas abiertas y están a merced del gusto y de las modas populares.
En Holanda desaparece por completo la pintura religiosa de altar al desaparecer el culto a las imágenes. Se cultiva la pintura de asuntos Bíblicos del Antiguo Testamento, en cuadros pequeños, para las habitaciones pequeñas de la burguesía. Apenas se tratan los temas mitológicos y si existen tienen un valor moralizante.


El retrato tiene un tono de intimidad, sobriedad y Realismo. Y aparece el retrato “corporativo”. Lo mas carácterístico serán los géneros realistas, en las que se busca la comodidad y el confort. Aparecen así los cuadros de interior, con escenas dometicas, los cuadros de animales, los puros paisajes, tanto en campo como en ciudad o marítimo y el bodegón en su mas amplia gama.

Rembrandt Van Ryn. Tras sus primeros estudios viaja a Amsterdan, ciudad en la que va a transcurrir toda su vida, ya que es un hombre sedentario totalmente dedicado a la pintura. Estudia con un pintor que había estado en Italia y conocía las técnicas tenebristas. En 1624 abre un taller en Leyden comenzando a pintar asuntos bíblicos y a desarrollar la técnica del grabado al aguafuerte. En 1632 se encuentra establecido en Ámsterdam, donde permanecerá hasta su muerte. En Ámsterdam contrae matrimonio con una joven de la alta burguésía local, Saskia, de la que tiene un hijo, Tito. Y alcanza gran fama como pintor.
En plena madurez Rembrandt sufre una crisis financiera, humana y artística. Su pasión por el coleccionismo le llevará a contraer grandes deudas y a su posterior ruina. En lo personal, tras la muerte de Saskia, se une sentimentalmente a su antigua sirvienta, Hendrickje, con la que no podrá contraer matrimonio. Comienza en esta época el rechazo social hacia su forma de vida y su pintura. En los últimos años la muerte de su hijo y de Hendrickje aumenta su soledad y su tragedia. Su estilo: Parte del tenebrismo, pero aunque gusta de los contrastes de luz y de sombra, el límite entre ambos no es nunca tajante, sino que se complace en unas penumbras misteriosas y doradas que dan un enorme atractivo a sus obras. Técnicamente, la pincelada prieta y dibujistica de sus primeras obras evoluciona posteriormente hacia una factura suelta y de empaste a base de gruesas manchas de color. Pintor de interiores, realiza una pintura intimista y nada efectista y tremendamente realista.
OBRAS
• Sus pinturasreligiosas Antiguo Testamento y algunos interpretados con gran dramatismo.
suelen ser temas del episodios evangélicos
-Betsabé: Representa a Betsabé, la mujer deseada por el rey David. Es muy interesante el tratamiento de la luz, que hace destacar el cuerpo sobre el fondo de una penumbra dorada que subraya el misterio de la composición. La cena de Emeaus El descendimiento


Áutorretratos:Rembrandt se autorretrato en numerosas ocasiones sólo o con su esposa Saskia, lo cual demuestra que debía sentir un gran interés por su propio rostro, al que veremos evoluciona y envejecer paulatinamente. Todos tienen en común la plácida y, al mismo tiempo, penetrante mirada que atrapa al espectador lo involucra y le interroga. -La lección de Anatomía del doctor Nicolaes Tulp para rememorar una clase magistral impartida por el célebre médico, que es captado en el momento de desprender con una pinza un haz muscular del brazo del cadáver, ante la mirada atenta de los asistentes. Contrariamente a lo que podría pensarse los personajes presentes no son médicos están identificados. Parece que el cuadro se retocó con posterioridad y se le añadieron algunos de los personajes. Rembrandt se revela en esta obra como un excelente maestro de la composición; pues utiliza el cadáver de un ajusticiado, como centro de atención de la obra, atención que se genera por su tratamiento lumínico, a modo de foco reflectante de luz, como una gran lámpara que parece iluminar a los espectadores, dentro de un ambiente un tanto tenebrista. -La Ronda de Noche es un retrato colectivo de una compañía de soldados arcabuceros. El capitán Frans Cocq, vestido de negro con una banda roja en el pecho, acompañado de su lugarteniente y toda su compañía salen con estandarte y música de tambor por la puerta de la ciudad. Rembrandt transforma la típica y estática representación colectiva de una comunidad, para crear una escena de calle basándose en los retratos de los componentes del gremio, con lo que se la dota de un inusitado dinamismo, poco común en este tipo de género. La interpretación del ambiente festivo y el interés por la plasmación de las calidades de los materiales. -Los Síndicos de pañeros de Amsterdam: • Paisajes, • Bodegones -El buey desollado • Obras mitológicas: Siempre con algún signo de misterio. | ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA:
El Barroco se implanta en España tardíamente debido, en parte, a la influencia que la arquitectura escurialense ejerce en el primer tercio del Siglo XVII, pero progresivamente se irá perfilando un afán por lo decorativo que se irá desarrollando en la segunda mitad del siglo. El Barroco se extiende, pues, desde mediados del Siglo XVII hasta fmales del Siglo XVIII. Tendrá gran arraigo en América, sobre todo en el XVIII, donde adquirirá formas propias y se mantendrá el estilo más tiempo. • Frente al Barroco europeo, el español concede gran ilJlPortancia a la decoración tanto de los interio~ (retablos, techos) CÓIDO de los exteriores (fachadas). Este aspecto es el más importante de la arquitectura barroca española. Se cubren superficies enteras de exuberante decoración. Este gusto por la decoración no es nuevo, sino una impronta del carácter español, pero nunca había revestido formas tan fantásticas como ahora. • En las plantas se prefiere lo rectilíneo a lo curvilíneo italiano. Se utilizarán los modelos de salón y de cajón y la planta jesuítica.


• Las fachadas, sobre todo a mediados de siglo, se conciben con estructuras parecidas a los retablos: la piedra llega a trabajarse como si fuera madera.
• Aunque se utiliza la piedra y el mármol, los materiales tienden a ser pobres (ladrillo, mampostería y yeso), encubiertos por la decoración; es la arquitectura de la apariencia. Un exponente de este modo de proceder son las bóvedas encamonadas o falsas, construidas con yeso y madera.
En la arquitectura barroca española distinguimos tres periodos: • 18 mitad del Siglo XVII: periodo de gran sobriedad estructural y decorativa. «la arquitectura española sigue bajo la influencia del Escorial.
• 28 mitad del Siglo XVII: se ha olvidado totalmente el recuerdo de la arquitectura herreriana y ya la decoración se desborda y lo invade todo. Los elementos ornamentales se enriquecen con motivos naturalistas (guirnaldas de frutas, esculturas) o abstractos (molduras), que dan un gran movimiento a las fachadas. • Barroco fmal, a partir del Siglo XVIII: ,coexisten dos tendencias, una de gran libertad decorativa y fantástica y otra de tendencias equilibradas y sobrias, la de la arquitectura cortesana de los Borbones. Es en este momento cuando aparecen los Churriguera. Su importancia fue tanta que el término "churrigueresco" vino a sustituir al de Barroco. Los Churriguera son los representantes más importantes de la tendencia ornamental del Barroco. Esta familia procede de Barcelona, pero se establecieron en Madrid. La familia está integrada por José Benito, Joaquín y Alberto, siendo el primero quien da nombre a la tendencia que se extiende más allá de sus obras. Se entiende por churrigueresca la tendencia barroca que exagera la decoración, por lo que se le suele considerar un antecedente del Rococó y se caracteriza por una decoración recargada y pesada, muy criticada por los neoclásicos. Utiliza en las fachadas el estípite, el grueso baquetón y grandes hornacinas caladas.
Edificios importantes:: Los edificios más importantes que se construyen en esta época serán edificios religiosos:
Iglesias y, sobre todo, monasterios. En este momento se fundan numerosos conventos en el interior de las ciudades. Sevilla contaba con 73 conventos, Madrid con 57 y Segovia, ciudad muy pequeña, con 24.
Complemento de la arquitectura van a ser las transformaciones urbanísticas que experimentan las ciudades españolas. Los ayuntamientos promulgan "ordenanzas municipales" que velan por el ensanche y el alineamiento de las calles, su pavimentación y el saneamiento del alcantarillado. Así veremos aparecer, en el corazón del caserío, la emblemática Plaza Mayor.


Sus edificios son de tres plantas, con alzado uniforme y balcones de hierro, que se convierten en palcos para presenciar los espectáculos civiles y religiosos que se celebran en su ámbito durante las fiestas: corridas de toros, autos de fe, ajusticiamiento s, proclamaciones reales, etc. Con la llegada de la nueva dinastía borbónica se construirán grandes palacios, al estilo de Versalles .
arquitectura en la 1 a mitad del Siglo XVII
Edificios caracterizados por su desnudez estructural y decorativa, muy influidos por la obra de Juan de Herrera.
Muchos de los arquitectos del Siglo XVII van a ser frailes. Como ejemplo: fray Alberto de la Madre de Dios, autor del Real Monasterio de la Encarnación de Madrid, de clara influencia escurialense.
Pero el autor más importante es Juan Gómez de Mora, 'de estilo sobrio y geométrico, aunque se aparta de la severidad herreriana introduciendo algunos elementos decorativos:
- Colegio de la Compañía de Jesús, conocido como La Clerecía de Salamanca
- La Plaza Mayor de Madrid (1617). Es la primera Plaza Mayor que corresponde a estas
carácterísticas.
- Ayuntamiento de Madrid (1640). | AIonso de Carbonell realizó el Palacio del Buen~tiro de Madrid. Los jesuitas Pedro Sánchez y Francisco Bautista son los autores de la catedral de San Isidro de Madrid.
Real Monasterio de la Encarnación, (1611¬1612) Madrid. Fundado por la reina Margarita de Austria para celebrar la expulsión de los moriscos.
La arquitectura en la 2a mitad del Siglo XVII
El gusto por las fonnas cada vez más ricas lleva a eliminar el recuerdo herreriano y enriquecer la decoración con elementos naturalistas (guirnaldas de frutas, cartelas vegetales, abundantes esculturas, molduras partidas ... ) que consiguen dar una gran riqueza a las fachadas. Las plantas siguen siendo sencillas, pero en los alzados (torres, cúpulas) aI»U"ecen mayores libertades de volúMenes y siluetas.
En Andalucía destaca Alonso Can~)~utor de la fachada de la Catedral de Granada, en la que crea un efecto sorprendente de profundidad, al rehundir tres grandes arcos. La decora con placas y motivos vegetales.
En la Catedral de Jaén trabaja López de Rojas. En Sevilla, el Hospital de la Caridad
En Galicia se remodela la catedral de Santiago de Compostela y se construye la fachada del Obradoiro, obra de Fernando de Casas y Novoa


El Barroco final: La arquitectura del Siglo XVIII constituye la apoteosis del Barroco española. Se acentúa la tendencia decorativa de la segunda mitad del siglo anterior y se configura un estilo recargado y exuberante, al frente del cual están los hermanos Churriguera, quienes crearon un estilo propio. Al margen de éste, se desarrolla una corriente cortesana donde predomina una arquitectura sobria y equilibrada al gusto de la nueva dinastía borbónica.
José Benito de Churriguera es autor de numerosos retablos de movidas plantas, en los que emplea profusamente la columna salomónica y los estípites, ambos con abundante decoración. - Retablo de San Esteban de Salamanca, de 1693 - Trazado del Nuevo Batzán,¡poblado en la provincia de Madrid que incluía Iglesia, palacio, plaza de fiestas y viviendas para los obreros. -De estilo más sobrio y racional. Sus hermanos Joaquín y Alberto de Churriguera trabajaron conjuntamente en Salamanca: - Colegio de Calatrava (Joaquín) - Plaza Mayor (Alberto). A su imagen y semejanza se construirán otras en el territorio nacional y en los virreinatos americanos, cerrándose el ciclo Barroco con la espléndida de Salamanca, encargada en 1728 a Alberto de Churriguera e inaugurada sesenta años después. Otros arquitectos importantes del Barroco final fueron: Pedro de Ribera, Narciso Tomé, Leonardo de Figueroa... 

EL RETABLO Barroco

El retablo Barroco es una estructura arquitectónica, fra~u~da en pisos horizontales por entablamentos y en calles verticales por columnas. D~ fuste liSo, salomónicas o estípites, cp¡e decora como un gran telón escénico la mesa del altar. Pero además es un instrumento pedagógico de la liturgia católica y, como tal, tiene la misión de narrar a través de imágenes y relieves los principales acontecimientos del catolicismo.
En el Siglo XVI el retablo se mostraba como un libro abierto que los fieles recorrían con la vista y meditando sobre lo expuesto allí. El retablo se convirtió en un medio favorito de adoctrinamiento de los fieles, destacando el valor de la imagen como vehículo para llegar a Dios. Era, en definitiva, un retablo en el que predominaba lo narrativo. A partir del Siglo XVII y sobre todo en el XVIII el retablo acentúa su carácter arquitectónico, adquiere la forma de retablo-fachada y se simplifica el espacio destinado a la iconografía que queda reducida al mínimo. El retablo Barroco, pues, con toda su complejidad es ceno gráfica, se convierte en la fachada de la eternidad, por medio del total recubrimiento de sus fondos con panes de oro,con sus cualidades simbólicas de inalterabilidad y suma riqueza. En el centro del retablo se abre el "camarín ", en el que "habita" la persona venerada,.


ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA. | Posee unos carácteres propios, muy diferentes de los del resto de Europa: • El material utilizado será la madera policromada,frente al mármol y al bronce utilizado en otros países. Responde a varias causas: es un material más barato; es fácil de mover y transportar; es más versátil a la hora de
trabajarla. • Será una escultura casi exclusivamente religiosa, al servicio de la sensibilidad contrarreformista. • El peso de lo religioso en la vida española hace que se multiplique la demanda de retablos e imágenes de culto: imaginería '(el término se usó para referirse a las imágenes exentas, que abandonaban su marco arquitectónico -retablos- para salir en procesión). • Como reacción a la prohibición de la representación de imágenes de los protestantes, la religiosidad popular española, defensora de la contrarreforma, sacará las imágenes a la calle en ' Semana Santa y en las
festividades patronales: pasos procesionales.Se considera que los pasos procesionales son el mejor vehículo para enseñar a los fieles, en su mayoría iletrados, el drama de ' la pasión. • Se intentaba conseguir que las imágenes fueran del mayor Realismo posible: utilización de ojos y lágrimas de vidrio, e incluso el pelo natural, para favorecer el dramatismo. También llevará al empleo de telas verdaderas en las imágenes que sólo tiene de talla las cabezas, manos y pies. • La expresión también es fundamental Para conseguir esa fuerza expresiva el artista centra su interés en los rostros, las miradas, las manos.
• Todo esto hace de la escultura un arte de gran teatralidad. | En sus comienzos la escultura barroca española permanece al margen del dinamismo y se vincula directamente con la escultura de finales del S. XVI. A comienzos del XVII se pueden señalar dos focos escultóricos: Castilla y Andalucía, en el XVIII se añaden algunos más como Murcia.

La escuela castellana, GREGORIO Fernández


Continua la tradición de la escultura de tema religioso en madera policromada iniciado por Juan de Juñí y Alonso Berruguete. En su producción se advierten dos etapas: una fase manierista y un periodo de madurez. Detalla cuidadosamente las anatomías, proporciona minuciosidad a las barbas y los cabellos, a veces dota a sus obras de un fran patetismo. Los ropahes parecen pesados y acartonados. Existe policromía en sus obras. Las encarnaciones suelen ser mates, y en las telas dominan los colores lisos. Recurre a los postizos para aumentar el Realismo. Sus figuras suelen expresar sereno dolor o experiencia mística. Predominan en sus obras figuras de bulto redondo, realizando sobre todo esculturas para retablos e imágenes procesionales. | Obras: La Piedad: El conjunto fue realizado en 1616 para la coftadía de Ntra.Sra. De las Angustias de Valladolid.


El paso se completa con los dos ladrones y otras dos figuras: Ma Magdalena y San Juan, que siguen estando en la iglesia de la coftadía. El grupo central está compuesto en diagonal. La Virgen eleva el brazo derecho en señal de dolor, mientras su mano izquierda sostiene firmemente al Hijo, que se apoya en su regazo. Ambas figuras están tratadas con belleza y elegancia. Los dos ladrones son magníficos estudios anatómicos. Otras obras son el bautismo de Cristo, Santa Teresa. Cristo yacente (Museo de Valladolid): La imagen es uno de los numerosos ejemplares que realizó el artista representando a Cristo muerto sobre un sudario. Presenta una cuidadísima talla, reflejando, de modo muy naturalista, un cuerpo exhausto por el suftimiento y un sereno rostro demacrado. Su policromía es muy sobria y cuenta con un buen número de postizos: dientes de marfil, heridas de corcho, ojos de cristal, uñas de asta. Más obras: Cristo yacente del Pardo, Inmaculada de la Vera Cruz, Paso del descendimiento, Ecce Homo, Cristo atado a la columna:Estaba destinada a formar parte de un paso dedicado a la Flagelación de Cristo. Del que sólo queda esta figura. Representa a Cristo en el momento de recibir los azotes. El cuidado en el tratamiento anatómico es muy notable. La realista policromía le da un carácter muy realista, acrecentado a su vez por los elementos postizos.

La escuela andaluza:


Hay que distinguir dos focos: Sevilla y Granada. ESCUELA SEVILLANA, Juan Martínez MONTAÑÉS (1568-1649) Es la figura más destacada de la escuela sevillana y el imaginero español que gozó de más fama entre sus contemporáneos. Los sevillanos, en vida del artista, lo denominaban «el Dios de la madera» . |Su estilo es idealizado, propio del manierismo, huye de la exageración, del dinamismo, de la caricatura, y trata de hacer imágenes equilibradas y serenas. |Su obra es orden y ponderación: sus personajes se mueven con gracia, con tristeza pero nunca con arrobamiento místico o dramatismo exagerado. |Como retablista se muestra un ferviente partidario de las estructuras arquitectónicas claras y ordenadas, utiliza el orden corintio y las decora con ángeles y elementos vegetales. Tres tipos destacan en su repertorio: a) Retablos mayores de composición rectangular, con grandes cajas para empotrar relieves e imágenes. Ejemplos: - San Isidoro del Campo. - San Miguel de Jerez. - Santa Clara de Sevilla. | b) Arcos de triunfo, como el dedicado a San Juan Bautista. | c) Tabernáculos-hornacinas: entre los que sobresale el de la Cieguecita, de la catedral de Sevilla. En el campo de la escultura devocional: Niño Jesús, de actitud naturalista. Tema habitual en el Barroco andaluz. - La inmaculada, la concibe como virgen niña. Su obra maestra es La Cieguita, llamada así por tener la mirada baja y los ojos entornados. | Obras magníficas con sus imágenes de la Pasión: El Cristo de la Clemencia de la Catedral de Sevilla; es uno de los crucificados más hetmosos' de la escultura barroca. La anatomía de la figura se modela con una extraordinaria dulzura que recuerda los cuerpos atléticos de la escultura clásica.

Juan DE MESA: Para sus esculturas consultaba el natural y estudiaba los cadáveres, imprimiendo a sus crucificados los signos de la muerte . Sus crucificados son de tres clavos, de tamaño mayor que el natural, al tener en cuenta la distancia a la que han de ser contemplados. Sus cuerpos, bien realizados, aparecen agitados por un sentimiento interior que se corresponde con la angustiada expresión de los rostros. - Cristo del Amor: de gran patetismo - Cristo de la conversión del Buen Ladrón
- Cristo de la Buena Muerte: de gran serenidad, causó una impresión tan favorable en los medios artísticos sevillanos que sus contemporáneos lo tomaron como modelo para encargarle futuras réplicas. - Cristo de la Agonía o de Vergara: una de sus obras más perfectas. Cristo de contrastes entre la vida y la muerte, entre la tierra y el cielo. - Cristo del Gran Poder: es su imagen devocional más famosa y respetada. Se trata de un corpulento nazareno con la cruz ál hombro, captado en el momento de dar una imponente zancada y concebido para ser vestido
con túnica de tela.

ESCUELA GRANADINA: ALONSO CANO. Destacan obras de él como la Virgen de la Oliva, piezas escultóricas como el Niño Jesús de la pasión, San José con el Niño, San Antonio de Padua o la Inmaculada. En Murcia destaca Francisco Salzillo con obras como La caída y la Oración en el Huerto, La Cena, el Prendimiento, los Azotes y la Verónica.
LA PINTURA BARROCA EN ESPAÑA: El Siglo XVII es llamado el Siglo de Oro de la pintura española, ya que en él aparecen las grandes personalidades del arte nacional.
La pintura barroca española va a tener unas carácterísticas propias: | Predominio de la temática religiosa, ya que la clientela será fundamentalmente la iglesia. Continúa la tradición del retablo. | La pintura mitológica apenas tiene incidencia. Los géneros profanos que gozan de mayor de mayor éxito serán el retrato y el bodegón. | Falta de sensualidad y de teatralidad. Predomina una cierta humanidad e intimidad. Durante la 1/2 del siglo las formas predominantes son las del Naturalismo tenebrista, de influencia italiana. | En la segunda mitad del siglo la difusión de los modelos flamencos rubenianos, y el nuevo sentido, más triunfal, opulento y colorista, que la iglesia difunde, cambia el tono de la pintura española que de realista y tenebrista pasa al colorismo luminoso y al optimismo teatral del pleno Barroco.
EL Naturalismo TENEBRISTA: RIBERA Y ZURBARÁN:
JOSÉ DE, RIBERA: Técnicamente su obra se caracteriza por un excelente dibujo y por una pincelada pastosa, con la que consigue superficies ásperas en las que se adivina el relieve de las arrugas de la piel.


| En sus obras mitológicas los dioses carecen de la dignidad que deberían estar dotados, lo mismo que sus filósofos que forman parte de una serie: Arquímedes, 6n el que se produce una desmitificación del personaje, ya que no parece un sabio y viste con harapos . | Amante del Naturalismo, en su producción no faltaron pobres ni mendigos, así como personajes raros y deformes, a los que no privó de nobleza y dignidad, como en La mujer barbuda o El niño Patizambo, cruda representación de un niño mendigo, tullido por alguna enfermedad. Pero la mayor parte de su obra es de tema religioso, siendo célebres sus martirios; -Martirio de san
Felipe, Martirio de San Andrés. Su representación de la Virgen más interesante es la Inmaculada de Monterrey.
LA ESCUELA ANDALUZA: Sevilla
El paso del manierismo al Naturalismo está representado en Sevilla por tres pintores: Francisco Pacheco, Juan de Roelas y Francisco de Herrerra, el Viejo.
Francisco Pacheco fue maestro de grandes artistas como Velázquez y Alonso Cano. De su obra destacan sus retratos. | Juan de Roelas fue autor de grandes cuadros de altar ordenados en dos planos, uno eleste, lleno de ángeles músicos, niños o mancebos, y otro terrestre con tipos realistas y cotidianos. | Francisco Herrera, el Viejo practicó una pintura enérgica a base de pastosas pinceladas. Sus composiciones están aun muy ligadas al manierismo, aunque sus rostros son de gran fuerza expresiva.
Francisco DE ZURBARÁN (1598-1664)
Es el pintor que mejor representa los ideales de la Contrarreforma. Sus personajes ofrecen siempre una actitud de serenidad espiritual y paz interior que aspiraban a poseer gran parte de los eclesiásticos de la época. | Su pintura se caracteriza por la sencillez con la que trata escenas y figuras, mostrando interés por los volúMenes simples que nos evoca formas relativamente modernas (postcubismo). | Sus primeras obras poseen una iluminación tenebrista.
También destaca la tendencia a emplear composiciones de carácter geométrico. Fue llamado por Velázquez, para colaborar en el Palacio del Buen Retiro, pintando cuadros mitológicos que demuestran su escasa capacidad para el desnudo y la composición profana.
Sólo en los últimos años de su vida, por influencia de artistas más jóvenes (Murillo) o por el cambio del pensamiento contrarreformista, intenta hacer una pintura más movida y alegre, sin conseguirlo del todo. | Zurbarán va a pasar a la historia como el pintor de los frailes. Obras: La virgen de la Cueva, San Hugo en el Refectorio, La apoteosis de Sto. Tomás, La visión de San Pedro Nolasco.


EL Realismo Barroco: VELÁZQUEZ y MURILLO | VELÁZQUEZ (1599 - 1660) La figura de Velázquez, la más grande de toda la pintura española, está en realidad a caballo entre el Realismo de la primera 1/2 del siglo, y el barroquismo de la segunda; entre Sevilla, donde nace y se forma, y Madrid, donde desarrolla su carrera madura. | Las primeras obras de su juventud demuestran un enorme interés por el Naturalismo y sigue el camino del tenebrismo: El Aguador de Sevilla; La vieja friendo huevos. Realiza bodegones, cuadros religiosos y retratos: La Adoración de los Magos, Retrato de Sor Jerónima de la Fuente.Tras la primera etapa sevillana, Velázquez consigue ser nombrado en 1623 pintor de cámara y gozar del favor del omnipotente Conde-Duque de Olivares y de la simpatía de Felipe IV. En la Corte toma contacto con los grandes maestros de la pintura, sobre todo con Tiziano, que influirá decisivamente en su estilo. Su larga permanencia en la Corte no le aparta de una vocación pictórica fiel al Naturalismo, que aplicará tanto a las personas reales como a los temas populares o mitológicos. En esta época realiza Retratos y obras de carácter mitológico: Los Borrachos. Hace un viaje a Italia que le pone en contacto con el ambiente del clasicismo y del interés por la pintura Veneciana. Sus obras: La Fragua de Vulcano y La Túnica de José (de carácter académico), permiten comprobar la evolución de su obra. A su vuelta de Italia, Velázquez se afianza como el gran retratista de la Corte: Retratos ecuestres de Felipe IV, Retratos del príncipe Baltasar Carlos, Retratos del Conde-Duque de Olivares. Pero a la vez es el genial retratista de tipos tan variados como los bufones de la Corte: El Niño de Vallecas; El Primo, a los que trata con especial cariño. Obra cumbre de este periodo es el famoso cuadro de Las Lanzas o La Rendición de Breda, que celebra una victoria en la guerra de Flandes. Los temas religiosos son ahora muy raros, pero realiza El Cristo Crucificado. Realizó Velázquez un segundo viaje a Italia, y a su regreso realiza las obras culminantes de su producción - Las Hilanderas donde se representa el tema mitológico de la fábula de Atenea y Aracné. - Las Meninas Retrato de la familia Real, donde con un sistema sutilísimo de reflejos y de posiciones relativas de los personajes se nos presenta al propio pintor retratando a los Reyes, ante su hija Margarita (que se convierte en el tema central de la obra). - La Venus del Espejo que sigue el modelo de su maestro Tiziano, pero dotada de gran originalidad. | Comentario de algunas obras: LAS LANZAS: inspirado en la rendición de Breda, se trata de una pintura de Historia. Persigue el autor honrat al vencido, así que no existe diferencia entre los personajes de uno y otro bando. LA Venus DEL ESPEJO: inspirado en composiciones venecianas. Introduce el desnudo femenino, enmarcándolo en ricas ropas que potencian su belleza; su postura de espaldas y el rostro en el espejo generan un punto de misterio en la composición. También el espejo es el símbolo de la apariencia, de la vanitas de un mundo que se transforma con el paso del tiempo.


LAS MENINAS: su obra cumbre. En ella se llega a la lograr la máxima perfección en cuanto a la conseguir la perspectiva aérea y lineal. En él supera el propio tema del retrato de los personajes representados,. Para damos una nueva interpretación de la pintura al presentar lo acontecido «al otro lado del cuadro», ya que las figuras ocupan el lugar del pintor y observan a los reyes (reflejados en el espejo) que se encuentran , haciendo a éste partícipe de la escena desarrollada. A esta genial imaginación creadora hay que añadir el sublime tratamiento de la luz. Utiliza colores apagados, ya que los tonos vivos centrarían la atención del espectador en los detalles, en vez de introducirse en el espacio, que es lo que pretende Velázquez. Simbólicamente en este cuadro Velázquez quiere trasmitimos la idea de la nobleza de la pintura, considerada en su época como un trabajo artesanal. LAS HILANDERAS: el tapiz, supuestamente tejido por las mujeres, recoge el tema principal, es decir, el mitológico, que versa sobre el asunto textil: la disputa entre Palas Atenea y Aracne acerca de sus modos de tejer. Así la escena de taller no es nada más que el nexo de uníón que nos conduce hacia lo mitológico. En el lienzo alcanza Velázquez el máximo desarrollo de su pincelada «impresionista» que tanto cautivó a pintores posteriores, especialmente visible en los planos finales que, con su pérdida de nitidez, configuran la perspectiva aérea que produce a sensación de alejamiento.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO ( 1617 - 1682)
Murillo es el pintor de la delicadeza y de la gracia femenina e infantil. Es, por excelencia, el intérprete de las Inmaculadas y del Niño Jesús; pero es, además, y sobre todo, un extraordinario pintor, hábilísimo técnico y gran colorista. En sus primeras obrasmuestra todavía una cierta relación con el Naturalismo tenebrista, pero luego enriquece extraordinariamente su técnica, que se va haciendo más suelta, ligera y libre hasta llegar a la vaporosidad maravillosa de sus obras maduras. | Su arte se basa en el empleo de un dibujo de alta calidad y un colorido vaporoso y cálido. Supo también Murillo desdramatizar el contenido de la pintura religiosa, introduciendo en ellas sentimientos que provienen de la vida cotidiana.Destacan obras como la Virgen con el Niñoo la Sagrada Familia. Otros temas que consagró fue el de la Inmaculada, una versión de la Inmaculada totalmente renovadora y original que gustó a la sensibilidad popular. Los temas populares extraídos de la realidad fueron tratados por Murillo , como la miseria y la pobreza. Así vemos en sus cuadros niños desarrapados que buscan piojos entre los pliegues de sus camisas,. Progresivamente y a medida que pasaban los años las pinturas con niños callejeros fueron perdiendo dramatismo para reflejar amables escenas donde los muchachos comen fruta o juegan en actitudes de alegría y desenfado


Fue en suma Murillo un pintor que acertó a acercar el espíritu religioso a la vida cotidiana o más bien a introducir la vida en la pintura religiosa lo que indudablemente hizo que sus composiciones artísticas trasmitiesen siempre al espectador sentimientos e ideales que les eran familiares y queridos.
Juan V ALDÉS LEAL: absolutamente distinto de Murillo. Magnífico colorista, desprecia el dibujo y comete con frecuencia incorrecciones que sólo la belleza del color consiguen perdonar. Busca siempre motivos dinámicos y violentos con mucho movimiento, que resuelve, no con alarde de perspectivas y escorzos sino en remolinos de color. La insistencia en algunas de sus obras en temas tétricos:,Las Postrimerías del Hospital de la Caridad de Sevilla, le han hecho el más significativo equivalente de la literatura ascética del desengaño.
Granada: ALONSO CANO; En su obra pictórica se conjugan manierismo y barroquismo. Tres etapas marcan la vida y obra de Alonso Cano. Su primera etapa sevillana (1615-1638) destaca su seguridad de técnica y dibujo y un vigoroso plasticismo. El lienzo de San Francisco de Borja.
En su segunda etapa o periodo madrileño (1638-1652) vemos el momento culminante de esa inquietud y labor de asimilación. Ahora triunfa el color y la técnica sobre el dibujo. Es su etapa granadina. Realiza los siete lienzos sobre la vida de la Virgen en la Capilla Mayor de la Catedral de Granada. Es un magnífico dibujante. La nota más firme de su obra es el color. Cano, a pesar de vivir en la época del tenebrismo, va a preferir la influencia de los grandes coloristas como Zurbarán y Sánchez Cotán. El tema que predomina en sus obras es el religioso, como es normal en la época. | OBRAS MÁS IMPORTANTES - La Virgen de Belén de la Catedral de Sevilla. - Retablo del Niño Jesús de Getafe. -El milagro del Pozo es el lienzo más elaborado y considerado como su obra maestra. - Cristo sostenido por un ángel.

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