Apolo i dafne escultura estil

COLUMNATA DE San Pedro

Columnata de la plaza de San Pedro del baticano; gian Lorenzo Bernini;
Estilo Barroco y esta en la ciudad del baticano.
Bernini establecíó los principios de la arquitectura barroca italiana. Entendíó las necesidades de la contrareforma y reflejó las ansias de poder de la iglesia. El planteamiento de Bernini consiguió salvar las exigencias que conllevaba la construcción de un acceso digno a la basílica de San Pedro, máximo símbolo del cristianismo. Ademas como sede de la iglesia cristiana universal, la propia forma del recinto debía revestir una significación especial. Bernini ideo una plaza delimita por dos brazos rectos y convergentes se abren formando una gran plaza elíptica; este planteamiento permitía que el papa fuera visto desde cualquier punto. Y la forma de los dos brazos circulares que simbolizan la voluntad de acogida de la iglesia. Cada uno de los dos brazos ovalados consta de cuatro hilera de columnas y pilares toscanos que forman tres calles y sostienen un entablamento jónico. La columnata culmina en una balaustrada. El proyecto de la plaza sirvió a Bernini para dar a la cúpula de Miguel ángel la relevancia que merecía. La fachada de la basílica, tenia a ambos extremos las bases de dos torres que le otorgaban un horizontalidad excesiva. Bernini se sirvió de lagunos recursos ópticos para acentuar la altura de la fachada y convertir la cúpula en eje visual dominante. La contrarreforma planteó una nueva manera de acercarse a sus fieles. Las columnas exentas exhibían un fuerte claroscuro arquitectónico. Una vez atravesada la galería de columnas, sobrevénía la admiración. Esta vivencia nunca se materializó por completo porque dependía de un tercer brazo de columnas. La reurbanización convirtió la plaza en el punto final de la gran vía Della conciliazione, trazada desde el río Tíber. La columnata de San Pedro muestra los aspectos mas destacados del Barroco: carácter funcional, simbolismo y caracterización escenográfica. Fue planteada como la unión natural entre basílica y la ciudad. Los brazos elípticos de la columnata responden al nuevo concepto de arquitectura abierta, dinámica y plenamente integrada en su entorno urbano.

PALACIO DE VERSALLES

Palacio de Versalles, le vau y mansart. Estilo Barroco y esta en Versalles ( Francia). Versalles tuvo tres etapas constructivas en la primera y segunda etapa, Luis XIV reformo el que había sido pabellón de caza de su antecesor y procedíó a una segunda ampliación para convertirlo en sede sede del gobierno. Muerto le vau, mansart llevaría a cabo la tercera ampliación, la replanificación gigantesca de Versalles, materializada en la construcción de dos alas laterales que configuraron la ciudad cortesana. Le brun y le nôtre sentaron las bases de la decoración de interiores y del paisajismo europeos del Siglo XVIII. Versalles tiene dos fachadas; la principal mira al centro urbano y la trasera se abre al jardín. Se divide en tres niveles; el basamento; el principal y el ático, coronado por trofeos. Su concepción es clásica, sobria y majestuosa. Un ingenioso sistema de entrantes y salientes rompe con la monotonía que pudiera derivarse de la horizontalida del conjunto. La relación del edificio con el paisaje es tan profunda que se subordina al eje central imaginario que trazan los jardies. La concepción de los jardines está cargada de simbolismo. El efectismo Barroco explota el potencial del agua. Luis XIV confirió a su figura un carácter divino. Luis XIV explotó a conciencia el valor propagandístico de Versalles, que exaltaba el poder del régimen absolutista y la hegemonía de Francia. Le brun establecíó la fastuosa imagen interior de los palacios barrocos. Su galería de los espejos asume el máximo refinamiento artístico: se trata de un recinto en el que, en la parte que da a los jardines, se abren grandes ventanales que se corresponden con enormes espejos que reflejan la luz.

APOLO Y DAFNE

Gian Lorenzo Bernini Siglo XVII estilo Barroco técnica talla sobre mármol. El grupo apolo y Dafne se basa en un episodio de las Metamorfosis de Ovidio, un poema que recoge historias y leyendas mitológicas sobre el tema de la metamorfosis. Dafne, acorralada, pidió ayuda a su padre, que la transformó en laurel, en el preciso momento en que la divinidad la atrapaba. Apolo y Dafne parecen modelos de la antigüedad y están representados seguen sus criterios de la idealización clásica; si embargo, el movimiento que se desprende de la acción en que están inmersos no puede ser mas realista. Bernini fue el primer artista que se atrevíó a plasmar el movimiento inherente a la propia metamorfosis, dnd Dafne se convierte en laurel, y captó la fugacidad del instante. La sutileza psicológica de las expresiones de los personajes; Dafne se da la vuelta, aterrorizada por que acaba de sentir la mano de apolo atrapándola, pero todavía no es consciente de su transformación en laurel apolo, muestra una expresión estupefacta por que sí percibe el cambio. Bernini la diseñó para ser observada desde un punto de vista privilegiado. Esta concepción era eminentemente pictórica y se atendía al precedente de perspectiva única. Bernini estaba profundamente interesado en el potencial dramático de la luz como en la cara, los ojos y el pelo. En ninguna otra escultura, Bernini llevaría tan lejos su virtuosismo en el tratamiento de la piel y de las texturas. En cuanto al esquema compositivo las curvas que describen los cuerpos acaban confluyendo en la baso rocosa de la que surge la corteza del árbol. De esta manera se acentúa la sensación de arqueo provocada por la súbita inmovilización. La escultura de apolo y Dafne es la plasmación máxima del instante y del movimiento.

LA MUERTE DE LA VIRGEN

De Caravaggio, Siglo XVII, estilo Barroco italiano, técnica oleo sobre lienzo. El cuadro representa el momento en que la virgen acaba de morir. Los destinatarios del cuadro son los mojes de la iglesia de santa María Della sacala. En un momento en que la pintura italiana religiosa seguía los estrictos preceptos de la contrarreforma. La mirada directa y austera del pintor no cumplía con la función persuasiva y de estímulo del sentimientos religioso. Se podría pensar que los personajes humildes de Caravaggio llegarían a la gente sencilla; sin embargo, ésta prefería las representaciones idealizadas, basadas en los modelos clásicos de la belleza, a la cruda realidad que exhibía el pintor. La muerte de la virgen es un claro exponente del tenebrismo de caravaggo. Juega abiertamente con el claroscuro, es decir, el contraste de luces y sombras que ilumina bruscamente lo que el artista desesa y sume en la oscuridad lo que considera menos importante. El rayo de luz se convierte en el verdadero estructurador del cuadro. Acentúa el dramatismo: el color, ya que utiliza una paleta de color saturado y usó una gama oscura. El rayo de luz sale del ángulo superior izquierdo. Atraviesa toda la tela e ilumina las cabezas de los apóstoles hasta llegar a la virgen que adquiere el protagonismo. La luz revela la existencia de una cortina de color rojo que recuerda el telón de un teatro y confiere a la escena un sentido dramático, a la vez que refuerza el esquema diagonal de la composición y al mismo tiempo lo equilibra tendiendo un eje vertical. El claroscuro y el Naturalismo ya habían sido utilizadas, pero este singular pintor las doto de una intensidad dramática sin precedentes. Influido por Miguel Ángel en el modelado escultórico de los cuerpos creo su propio estilo tenebrista, las composiciones en diagonal, el Naturalismo en la plasmación de los personajes que desacraliza los temas religiosos como si fueran escenas de la vida cotidiana. Caravaggio fue formado como pintor en Roma, su intensa actividad pictórica se alternó con una vida intensa y turbulenta, ademas fue precursor del tenebrismo.